이승현 작가

플랫폼 아티스트 (인천아트플랫폼)

cryptolee — Tue, 24 Jan 2012 15:48:49 +0900

플랫폼 아티스트

인천아트플랫폼 2기 입주작가 결과보고展
2012_0119 ▶ 2012_0226 / 월요일,1월 22,23일 휴관

초대일시 / 2012_0119_목요일_04:00pm

참여작가 김영욱_김제민_김태은_김태준_김혜지
다나올라레스큐(루마니아)_더 미미랩(캐나다)
라디컬 인텐션(이태리)_문준용_박석태_박영숙
박하민_배진호_사샤 폴(독일)_손혜민
엘리사 페르난데즈 알테타(스페인)_연희컴퍼니 유희
오민수_오석근_오시은_유광식_유지환_윤석남
윤주희_윤중강_이민경_이봄순_이승현_임선이
조슈아 로버츠(미국)_조습_타케시 모로(일본)
페르난다 치에코(브라질)_현태준_홍성민

관람시간 / 10:00am~05:00pm / 월요일,1월 22,23일
휴관 * 구정연휴관계로 1월 22(일)부터 1월 23(월)오전까지 휴관,
23일 오후부터 정상개방

인천아트플랫폼 INCHEON ART PLATFORM
인천시 중구 제물량로 218번길 3 A,B,C,H1,H동
Tel. +82.32.760.1000
www.inartplatform.kr

인천아트플랫폼은 2012년 1월 19일(목) 오후 4시, 작년 3월에 입주하여 2012년 2월까지 레지던시 프로그램에 참여하고 있는 2기 입주작가들의 결과보고전인 『플랫폼 아티스트』를 개최한다. 『플랫폼 아티스트』는 인천아트플랫폼에 입주한 작가들이 스튜디오에서 머물며 진행한 창작활동의 결실을 공개하는 행사로 시각예술, 공연예술, 문학 등 다양한 장르의 예술가들 작품을 선보일 예정이다. 『플랫폼 아티스트』는'플랫폼'의'아티스트'들이 인천아트플랫폼에서 동고동락하며 예술에 대한 진지한 성찰과 실험으로 얻어진 창작물을 일반시민들과 예술계에 공개하는 행사이다.

: 위◁ 김영욱_tHE tIME-Incheon Time 08 / △ 김제민_연옥 : 이탈한 자가 문득
위▷ 김태은_Dual-Head Shooting 아래◁ 김태준_타임캡슐 Time Capsule / ▷ 김혜지_어디선가 누군가에

: 위◁ 다나 올라레스쿠_In No Particular Order / △ 더 미미랩_Take Me as We Are / ▷ 배진호_낙엽
가운데◁ 박영숙_그녀의 은밀한 것-만신창이가 된 인형 / △ 박하민_플랫폼+인
가운데▷ 문준용_움직이는 물체 위의 3D 프로젝션 매핑과 그림자에 대한 실험
아래◁ 박영숙_그녀의 은밀한 것-만신창이가 된 인형
아래△ 라디컬 인텐션_Fried Book / ▷ 사샤 폴_Statues Also Die

『플랫폼 아티스트』를 통해 입주작가들은 거대한 고래와 같은 세상으로 나갈 준비를, 인천아트플랫폼은 다음 아티스트들의 소통과 교차의 플랫폼으로써 더욱 활발한 역할을 수행해 나갈 계획이다. 인천아트플랫폼은 다양한 장르의 예술이 교차하는 복합문화예술 매개공간으로, 작가들에게 일정 기간 스튜디오를 제공하고 창작활동을 지원하는 레지던시 프로그램을 운영하고 있다. 작가들은 길게는 1년에서 짧게는 3개월 동안 인천아트플랫폼에 머물면서 작업을 하고 있으며, 2011년 2기 입주작가는 국내외(국외 8개국) 총 35개팀, 42명이 입주하였다. 35개팀, 42명으로 이루어진 2기 입주작가들의 최종 결과보고전인 『플랫폼 아티스트』는 평면, 설치, 영상, 텍스트, 입체 작품들이 전시장뿐만 아니라 공동작업실과 프로젝트룸, 크리스탈 큐브 등 인천아트플랫폼 곳곳의 장소를 활용하여 작품의 맥락이 최대한 드러나게 구성되었다. 문학비평분야 역시 작가들의 창작물을 월 텍스트와 영상 등 다채로운 방식으로 관람객들에게 선보일 예정이다.

: 위◁ 손혜민_Red Signs1 / △ 엘리사 페르난데즈 알테타_단절의 미학
위▷ 연희컴퍼니 유희 Y_원시인 하쇼(Hot Show)
아래◁ 오민수_산수-유람 / △ 오석근_From the Sea to Youth_Chap1_01 / ▷ 유광식_장소-광장(발전)

이번 전시기간 중에는 공연분야 입주작가들의 결과보고공연도 이어진다. 작년 「플랫폼+人」으로 다양한 공연을 선보였던 박하민은 전시 오프닝 저녁'콰르텟 수'와 함께 첫 무대를 장식한다. 1월 29일에는 홍성민의 퍼포먼스 '다섯 명이 걷고 있는데, 한 명이 웃음을 터뜨리자 두 명이 울기 시작했다', 2월 4일과 5일에는 연희컴퍼니 유희의 '원시인 하쇼(HOT SHOW)', 2월 11일과 12일에는 김제민의'연옥:이탈한 자가 문득'이라는 공연이 이어진다. 또한 Dana Olarescu(다나 올라레스쿠, 루마니아)의 퍼포먼스 'In no particular order(특정한 순서 없이)'와 the memelab(더 미미랩, 캐나다)의 프로젝트 'Keep Me Posted(계속 소식 전해주세요)', 퍼포먼스 'Take Me as We Are(나를 있는 그대로 받아들이세요)'등 다양한 공연이 준비되어 있다.

: 위◁ 유지환_인천을 화답하다 02 / △ 윤석남_Black Room / △ 윤주희_후 제작된 포스터
위▷ 조슈아 로버츠_9.79s(Ben Johnson & Carl Lewis)
가운데◁ 이민경_두개의 창 / ▷ 조습_빨간장갑
아래◁ 이승현_명화바이러스 010 / ▷ 임선이_삼초점의 시선 1

입주작가들은 지난 1년 동안 인천아트플랫폼에서 기획한 다양한 레지던시 프로그램에 참여하며 작가로써의 성장을 위한 자양분을 지속적으로 수혈 받을 수 있었다. 인천아트플랫폼은 입주작가들을 위해 인천에 대한 관심도를 높이고 작품창작의 모티브를 제공하기 위한 」인천리서치투어」, 외부 이론가들과 1:1 매칭을 통한 작품분석 및 비평문을 통한 미술계 프로모션인「이론가 매칭 프로그램」, 국내외 동시대 미술계 흐름에 대한 이해와 미술사에 대한 강의로 창작활동의 촉매제 역할을 위한 」아트렉쳐」 등을 운영하였다. 또한 인천아트플랫폼은 입주작가들에게 개인전시와 그룹전, 쇼케이스 등의 창작 및 발표의 기회를 다각적으로 제공하여 창작 의욕을 고취하고 작가적 역량을 키워나갈 수 있게 하였으며, 이를 통해 입주작가들과 인천시민 및 일반 관람객들과의 소통의 지점을 넓혀 나갔다. 올해 인천아트플랫폼의 플랫폼 아티스트인 2012년 3기 입주작가는 지난 12월 공모와 전문가 심사를 거쳐 306명의 응모자 중 총 38팀 51명이 선정되었다. 그 중 국외작가는 80명의 응모자 중 영국, 스페인, 이스라엘, 일본, 중국, 호주 등 9개국 11팀(12명)이 입주할 예정이다. 이번 3기 입주작가들도 평면, 미디어 등 시각분야를 필두로 연극연출가, 영화평론가, 아동문학 등 다양한 장르의 예술가들이 선정되었다. 2012년에도 인천아트플랫폼과 3기 입주작가들은 국내외 예술가들과의 지속적인 교류와 담론생성, 다양한 활동들로 인천시민뿐 아니라 예술계에 활력을 불어넣을 것이다. ■ 인천아트플랫폼

: 위◁ 타케시모로_신포시장 사람들 / ▷ 현태준_주물럭
가운데◁ 페르난다 치에코_개불
가운데▷ 홍성민_다섯 명이 걷고 있는데, 한 명이 웃음을 터뜨리자 두 명이 울기 시작했다.
아래△ 이봄순_Docent

○ 공연정보
공연일시 : 1/19(목) 15:00
장소 : B동 전시장 공연명 : Keep Me Posted
작가 : the memelab
내용 : 펜팔 프로젝트

공연일시 : 1/19(목) 19:00
장소 : C동 공연장
공연명 : Good-bye 플랫폼+人 - 콰르텟 수 「Once again」
작가 : 박하민
내용 : 클래식+무용

공연일시 : 1/29(일) 17:00
장소 : C동 공연장
공연명 : 다섯 명이 걷고 있는데, 한 명이 웃음을 터뜨리자 두 명이 울기 시작했다.
작가 : 홍성민
내용 : 퍼포먼스

공연일시 : 2/4(토)~5(일) 17:00
장소 : C동 공연장 로비
공연명 : 원시인 하쇼(HOT SHOW)
작가 : 연희컴퍼니 유희
내용 : 전통연희

공연일시 : 2/11(토)~12(일) 16:00
장소 : B동 전시장
공연명 : In no particular order
작가 : Dana Olarescu
내용 : 퍼포먼스

공연일시 : 2/11(토)~12(일) 17:00
장소 : C동 공연장
공연명 : 연옥:이탈한 자가 문득
작가 : 김제민
내용 : 연극+영상

공연일시 : 2/11(토) 18:30
장소 : D동 아카이브관
공연명 : Take Me as We Are
작가 : the memelab
내용 : 퍼포먼스

드로잉의 가상적 생식력, 공간의 증식 _ 강수미 (미학)

cryptolee — Tue, 17 Jan 2012 17:54:24 +0900

드로잉의 가상적 생식력, 공간의 증식

- 이승현의 경우

강수미 (미학)

1. 떼

영화가 선호하는 장면 중 하나는 사람이나 곤충 같은 특정 개체가 ‘떼(multitude/crowd/collective)’를 이뤄 어떤 공간을 점유하거나 잠식하는 상황을 부감(俯瞰)으로 비추는 것이다. 보통 이런 장면은 예컨대 대도시의 역동성을 표현하기 위해서 도심 거리를 몰려다니는 사람 떼, 즉 군중을 새까만 덩어리들로 묘사한다. 또는 낯선 존재들의 갑작스런 출현 및 그에 따르는 친숙한 것들끼리의 공포를 극대화하기 위해 생물 떼거리, 이를테면 기괴한 형체를 하고 신경질적인 소음을 내며 빠른 속도로 움직이는 ‘살아있으나 실체를 알 수 없는’ 무리들 ―상상의 생명체만이 아니라, 벌레나 새처럼 우리가 익히 알고 있지만 그 규모나 양태 면에서 전혀 낯설게 출현하는 것들― 을 화면 가득 채우는 식이다. 혹자는 전자의 실증적 사례로 영화의 고전에 속하는 찌가 베르토프(Dziga Vertov)의 무성영화 <카메라를 든 사나이>를 떠올릴 수 있다. 그리고 후자에는 SF 영화의 전설이라 불러도 좋을 돈 시겔(Don Siegel)의 <신체 강탈자의 침입>이나 알프레드 히치콕(Alfred Hitchcock)의 <새>를 대입할지 모른다. 물론 영화만이 아니라 만화 또는 애니메이션에서도 이 같은 장면들은 매우 빈번히, 그러나 영화보다도 더 상상력 넘치는 이미지로 구현되는데, 기본적인 구조는 대체로 유사한 경향을 띤다. 이를테면 셀 수 없을 만큼 다수의 존재들을 집합적으로 출몰시켜 우리의 익숙하고 평범한 공간들, 장소들, 관계들, 나아가 경험의 모든 층위를 일순간에 강타하는 것을 목표로 하는 감각과 개념의 구조 말이다. 여기서 퍼뜩 떠오르는 사례는 미야자키 하야오의 거의 모든 애니메이션에 등장하는 각종 떼들 ―검은 먼지 떼, 붉은 곤충 떼, 마을의 안전을 위협하는 낯선 유령 무리, 도시를 헤집고 다니는 이방인 무리― 이다. 하지만 굳이 특정하지 않아도 우리의 머릿속에는, 기억 속에는 그렇게 존재 자체로 두려움을 야기하고 보는 이를 심리적으로 위축시키는 이미지들이 상당히 많이, 대체로 비슷비슷한 형태 및 질감, 그리고 운동 양태로 저장돼 있다.

위와 같은 점은 작가 이승현이 현재까지 해온 작업을 논하는 데 여러 측면에서 도움이 된다. 첫째, 명시적으로 이승현의 드로잉/벽화 작업의 핵심 모티브가 작가의 상상력에 기반을 두고 고안해낸 형상들의 집합, 예컨대 ‘미확인 생물체 무리’나 ‘정체불명의 바이러스 떼거리’이기 때문이다. 둘째, 그의 작품들이 목표했거나 실제로 감상자에게 유발하는 감각 및 정서 상태가 앞서 예를 든 영화, 만화, 애니메이션의 그것과 유사하기 때문이다. 그러니까 생경한 것들(他者)이 무리지어 출몰할 때 주체가 느끼는 설명할 수 없는 어떤 느낌이나 기분을 대중문화의 산물들에서처럼 이승현의 미술작품들에서 또한 경험할 수 있다는 말이다. 물론 강도(强度)의 차이는 있다. 상업영화나 애니메이션, 만화와는 달리 이승현의 이미지는 엄청난 공포나 위기감보다는 약간의 징그러움이나 놀라움에 가까운 느낌을 유발한다. 또 그 작품들이 대체로 밝은 빛 아래 개방된 공간에서 정지된 그림으로 제시되기 때문에 영화 및 만화와 비교해서 상대적으로 편안한 지각상태에서 즐길 수 있다. 셋째, 앞서 소개한 이승현 작품의 모티브들은 종이나 캔버스 같이 전통적으로 그림의 지지대로 쓰이는 회화(만을 위한) 공간 ―이동성이 강한 타블로이자 단일한 사각형 평면의 오브제― 이 아닌 대부분 현실의 특정 장소에 그려졌다는 점에서 위에서 말한 영화나 만화가 구축하는 ‘떼와 공간의 관계’와 교차될 수 있다. 그는 만화에서 봤을 법한 생물체 형상을 현실적으로 각각의 기능을 가진 기성 공간 ―미술대학의 실기실 벽, 화이트큐브 전시장 벽, 카페의 벽과 유리창, 공공기관의 내벽 등― 에 침투하듯이 그린다. 그 형상들은 일정한 기간에만 거기 존재하는 한시적인 것들이기는 하지만, 이전에 그 공간이 갖고 있던 형식적 외관과 장소성을 어느 정도 약화시킬 만큼 공간의 표면 위에 전면적이고 다발적으로 그려진다. 이 같은 점은 영화가 씬을 구성하는 방식 또는 만화/애니메이션이 컷을 만드는 방식 및 의도에 가깝다.

2. 장식, 증식하는 것

“우리는 사물을 문화화시킴으로써, 즉 그것의 가치를 자연적 메커니즘을 통해 우리에게 제공된 것 이상으로 증식시킴으로써 우리 자신을 문화화한다. 그것은 우리로부터 출발하여 우리에게 되돌아오는 가치증식의 과정이며 우리 외부와 내부의 자연 모두에 영향을 끼친다.”- 게오르그 짐멜

이승현의 벽화 드로잉은 꽃이나 보석, 미인이나 각종 정물처럼 전형적으로 아름다운 (대상이라 칭해지는) 모티브를 그린 것이 아니다. 그와 달리 작가는 인위적이고 조화롭지 않은, 이질적이고 그로테스크하기까지 한 상상의 생명체를 현실 공간에 선묘(線描)하면서, 그 이미지-생명체가 마치 살아있는 것처럼 자기 증식하는 가상적 상황을 연출하고 싶어 한다. 그것이 작가 이승현이 2006년부터 현재까지 일련의 작업을 하면서 의도했던 바이자 감상자들이 자신의 작품에 상상적으로 동참해주기를 바라는 지점이다. 따라서 백악기에 존재했을 법한 공룡 형상의 것들, 아직 분화가 되지 않은 유기물 덩어리들, 오징어와 악어 머리를 합성한 것 같은 괴물이라고 우리의 상상력이 파악할만한 ‘친숙한 낯선 존재들’이 전시장의 흰 벽 위나 가건물 벽면 전체에 넘쳐난다. 이미지는 독특하고, 구성은 역동적이다. 이와 같은 점은 관객의 호기심을 자극하고, 감각적 즐거움을 향한 욕구를 충족시켜준다.

그렇다 하더라도 나는 그의 드로잉에서 가장 특수한 점은 ‘장식성’에 있다고 본다. 예컨대 2011년 인천 아트 플랫폼 전시장에서 작업한 <Over the Stage>를 보자. 작가는 흰 벽 위에 회색의 필선으로, 존재하지도 않는 낯선 생물체의 몸체부터 촉수까지 섬세하고 정교하게 묘사했으며, 그것들을 하나가 아니라 마치 공간을 떠다니는 무수한 입자들처럼 펼쳐놓았다. 큰 덩어리와 작은 덩어리가 임의적이지만 적절하게 여백을 사이에 두고 배치된 그 벽화는 얼핏 무미건조하고 심지어 화이트큐브의 폐쇄성과 권위까지 풍기는 그 전시장을 생생하고 역동적으로 탈바꿈시킨다. 그런 생생함과 역동성이 장식적인 것으로서 이승현 드로잉의 기능이다. 용도에만 복종할 뿐 특별한 개성을 갖지 않는 죽은 공간(상징적인 의미에서)에 활기와 변화(그 공간을 찾는 이들이 경험하는 지각의 차원에서)를 ‘부가(附加)’해 돋보이게 한다는 의미에서 그렇다. 물론 이것이 전부는 아니다.

우리는 여기서 그 ‘부가’의 의미를 정교한 문맥에 따라 확장시켜 다시 생각해 볼 수 있다. 이를테면 공간의 증식과 형상의 증식이라는 맥락에서. 일상적으로 우리는 ‘장식(粧飾, decoration/ornament/adornment)’이라는 말을 원래 있던 것에 덧붙여지는 것, 그렇게 해서 기존의 것을 좀 더 나은 것으로 만들거나 좀 더 다르게 꾸민다는 의미로 쓴다. 또 이론적으로도 장식이란 ‘어떤 주어진 것을 꾸미는 패턴, 양식적 형식’ 등의 의미를 갖고 있다. 이 양자의 의미에서 이승현의 작품은 장식적이다. 우선 그가 드로잉을 행하는 공간은 앞서 썼듯이 대부분 기성의 공간(목적과 용도가 이미 주어진 공간)이기 때문에, 감상자는 굳이 의식하지 않더라도 그 이미지들을 본래부터 있는 것이 아니라 한 장소에 덧붙여진 것이자 그 공간을 꾸미는 것으로 받아들인다. 동시에 이승현의 그림은 각 부분을 보면 유기체처럼 생긴 비정형의 형상들이지만, 그것들이 넓은 벽면에 일정한 여백을 두고 집합적으로 펼쳐지기 때문에 보는 이는 거기서 일종의 임의적 패턴, 일정한 양식의 반복을 알아챈다. 이 같은 맥락에서 일단 이승현의 드로잉 작품은 장식적이다.

그런데 특히 공간의 증식이라는 관점에서 이승현 드로잉의 장식성에 대해 생각해보면 흥미로운 점을 발견할 수 있다. 앞서 소개했듯이 이 작가는 미술대학의 스튜디오라든가 카페 같이 이미 특정한 목적에 따라 만들어졌으며, 그런 목적에 맞게 기능하는 공간들의 표면에 직접 드로잉을 한다. 예를 들어 이승현은 2006년 서울과학기술대학교의 대학원 실기실/강의실을 기이한 형상의 생물체 드로잉으로 가득 채웠다. 대학원 실기실이 통상 학생들의 창작 활동과 수강을 위해 학교가 재학생들에게 제공하는 공적 공간임을 상기할 때, 이승현의 그 같은 작업은 애초 그 공간의 효용성을 사적으로 전용한 예이다. 그러나 우리는 그가 단지 개인적 이익과 만족을 위해서 그렇게 한 것이 아니라, 예술적 행위를 통해 공간을 변화시키고자 그 공간에 드로잉 작업을 했다고 의미 부여할 수 있다. 물론 그 변화는 원래의 공간에 새로운 공간의 얼굴을 덧붙이는 식으로 이뤄졌다. 하지만 작가의 개입을 통해 그 허름하고 거친 실기실 공간에 새로운 기능과 성격이 부가됐다는 점도 주목하자. 즉 그 곳은 작품이 행해진 그 당시(곧 철거될 예정이었지만), 창작공간으로서의 기능에 더해 그 자체로 창작품으로서 미적으로 기능하게 됐으며, 실용적 성격에 더해 예술적 성격을 갖게 된 것이다. 요컨대 상징적 의미에서, 감각적 지각의 차원에서, 그리고 상상적 이미지의 층위에서 이승현의 드로잉은 현실 공간을 증식시켰다. 이는 서두에 말했던 영화나 만화/애니메이션이 현실적 공간에 사람들 무리, 곤충 떼, 낯선 이방인 집단의 이미지를 삽입하거나 양자를 오버랩하는 식으로 연출함으로써 익숙함과 낯섦, 기성의 존재와 미지의 존재 사이의 감각을 표현하고 실제화하고자 하는 것과 같다.

3. 상상의 평범성과 가치의 증식

하지만 당사자인 이승현은 공간의 증식이라는 관점에서 그 같은 작업을 하고 있지는 않다. 혹은 그 같은 점이 자신의 작업에서 주목할 만하고 생산적인 특성이라고 생각하는 것 같지는 않다. 그것은 단적으로 그가 거의 비슷한 모티브와 표현 방법론을 써서 타블로 회화 시리즈도 했다는 사실에서 포착된다. <Masterpiece Virus>(2010)라는 이름의 그 연작은 장지로 만든 사각형 화판에, 사람들이 보자마자 그 원작을 연상할만한 서구의 명화들 ―모나리자, 진주귀걸이를 단 소녀, 최후의 만찬, 게르니카 등― 을 기이한 생물체 덩어리로 ‘번역-해체’시킨 이미지를 그려 넣은 것이다. 신기한 것과 자신에게 익숙한 것을 동시에 선호하는 일반 대중들에게 이 연작은 호응을 얻을 것이다. 하지만 달리 보면 그 작품들은 이승현이 현실의 기성 공간과 회화 예술의 관습적 공간을 단지 그림의 지지대로 별 구분 없이 사용하고 있으며, 그가 공간 및 장소의 특정성에 대해 연구하기보다는 자신의 상상력 안에서 이러저러한 이미지와 이야기를 구상하고 그것을 외적으로 표현하는 데 주력하는 작가가 아닌가하는 의구심이 들게 한다.

이를테면 어떤 작가는 현실적 공간에 드로잉이든 설치든 장소 특정적 예술 행위로 개입함으로써 단순히 한 공간의 가시적이고 물리적인 층위만이 아니라 의식적이고 지각적인 층위를 거듭 변양시킨다. 예를 들어 마이클 애셔(Michael Asher)는 2008년 산타모니카 현대미술관의 개인전에서 20년의 역사를 가진 그 미술관이 그간 전시를 만들며 세운 가벽을 금속과 나무 골조를 이용해 선(線)으로 재현함으로써 미술관의 역사를 의식화함과 동시에 미술관의 전시들이 조직되는 메커니즘을 감상자가 지각할 수 있는 양태로 끌어올렸다. 이는 ‘미술제도 비판의 미술’로서 기존 공간의 해체일 뿐만 아니라 ‘장소 특정적 미술’로서 그 공간의 증식이기도 하다. 그러나 이승현의 경우에는 이 같은 맥락보다는 자신의 그림 속 생명체들이 ‘가상적으로’ 증식한다는 이야기(작가가 설정한)에 더 매달려온 것처럼 보인다. 어느 측면에 더 관심을 두고, 어느 주제에 더욱 집중하느냐 하는 문제는 온전히 작가의 몫이고 자유다. 다만 내가 여기서 이 같은 문제를 제기하는 이유는 이승현이 지난 5년 여간 위에서 다룬 바와 같은 형식과 내용의 작업을 지속해왔다는 점, 또는 좀 더 비판적으로 말해서 그 같은 작업을 반복해왔다는 점에서 볼 때 지금까지 이 작가가 자신의 작업을 조금은 순진하고 조금은 단순하게 진행시켰다는 것이다. 가상의 생명체가 그로테스크한 형상을 하고 있을 것이라는 생각, 그런 생명체가 우리의 안락하고 친숙한 삶에 출몰해서 공간을 잠식하고 문화를 파괴할 것이라는 상상은 그 개별 상상 자체로는 흥미진진할지 모르지만 대체로 꽤 진부하다. 많은 영화나 만화가 그런 내용의 상상을 이미지화했고, 우리는 거의 모두가 그런 이미지 문화의 훈육 속에서 자신의 사고와 감각을 키우며 성장했기 때문이다. 그렇게 대부분 사람들의 상상은 평범하다. 그렇기 때문에 사람들은 한편으로는 그 평범성을 뛰어넘는 작품들을 열망하고, 다른 한편으로는 자기 상상의 평범성을 충족시켜 주는 수준의 작품들에 열광하는 모순을 보인다. 나는 작가 이승현이 어느 쪽에 서야 하는지 알지 못한다. 하지만 그가 이제까지 해온 작업에는 앞서 논한 ‘공간의 증식’ 같은 이슈가 잠재돼 있음에도 아직까지 제대로 다뤄지지 않았다는 사실, 그가 자신만의 것이라고 생각하는 상상력과 그것을 통해 구현되는 상상적 이미지가 대부분의 사람들 것과 비슷하다는 사실은 말해두고 싶다. “가치증식의 과정”이 우리가 사물을 문화화하면서 우리 자신을 문화화하는 일이라는 짐멜의 말을 위에 인용해둔 것은 바로 이 같은 맥락에서인데, 관건은 한 작가의 미술이 어떻게 ‘이미지의 증식’만이 아니라 ‘가치의 증식’을 이뤄내느냐이다.

강수미(Kang Sumi, 1969-)는 홍익대학교 대학원 미학과에서 철학박사학위(Ph.D.)를 받았다. 미학자이며 미술비평가다. 발터 벤야민의 미학 ․ 현대미술과 비평에 관한 다수의 논문을 썼고, 그와 관련한 국책 ․ 민간 ․ 학술 연구를 진행하고 있다. 저서로는 『아이스테시스-발터 벤야민과 사유하는 미학』, 『한국미술의 원더풀 리얼리티』, 『서울생활의 발견』등이 있다.

Virtual Reproduction of Drawing,

Proliferation(Increase in value) of Space

: In case of LEE, Seung-hyun

KANG, Sumi (Aesthetics)

1. Multitude/Crowd/Collective

One of the preferred scenes in a movie is a shot taken from a high angle of a situation where ‘a formed group (multitude/crowd/collective)’ of particular species like people or insect occupies or encroaches a certain space. Usually in these scenes, a group of people moving around on inner-city streets, namely a crowd, is portrayed as a coal-black lump in order to show the dynamism of a big city. Or in order to maximize the sudden appearance of strange beings and the fear caused by it, a scene gets filled with a multitude of living things, such as ‘living but unknown-bizarre things’ which move quickly making nervous noises - not just imaginary living things but also familiar bugs or birds appearing in a completely strange scale or manner. As an example for the former part of the mentioned above, some may recall the classic <The Man with a Movie Camera>, a silent movie by Dziga Vertov. And for the latter part, the legendary SF movie <Invasion of the Body Snatchers> by Don Siegel or <The Birds> by Alfred Hitchcock could be used as examples. Of course, these kinds of scenes are very frequently used not only in movies but also in cartoons or animations embodied with even more imaginary images, the basic structures are mostly similar. This is the structure of sense and concept: for instance, countless beings appear collectively in a scene, and it aims at striking in a flash our familiar and ordinary spaces, places, relations and further all layers of our experiences. Suddenly flashing in my mind is the various kinds of groups in most of Miyazaki Hayao’s animations - a cloud of black dust, a swarm of red insect, a group of strange ghosts menacing town’s safety, crowds of strangers tearing down the city. However, even if we do not specify them, in our mind and memory, many of the images which cause fear and intimidate viewers are stored in similar shape, texture and movement manner.

These points stated above are helpful in many aspects in discussing the works, the artist LEE, Seung-hyun has done until now. It is because of the aspects in the following. First, the main motive in LEE, Seung-hyun's drawing and mural painting is explicitly a collective of figures which he invented based on his imaginations such as ‘a group of unidentified creatures’ and ‘a plague of strange viruses.’ Secondly, the goal he wanted achieve through his works and the actual state of sense and emotion his works trigger in the viewer are similar to those of movies, cartoons, and animations. So certain unexplainable sense or feeling, which a subject experiences when a group of strange things (the Other) appear in the products of mass culture, can be experienced as well in the artworks of LEE, Seung-hyun. Of course, there is some difference in the intensity. Unlike commercial movies, animations and cartoons, the image of LEE, Seung-hyun arouses a little bit of disgust or a sensation similar to surprise rather than terrible fear or scare. Also, his works are presented as a stalled drawing in an open space usually under bright light, and they can be enjoyed in a comfortable state of perception compared to movies or cartoons. Thirdly, considering that the motives in the works of LEE, Seung-hyun I introduced above are painted on actual specific places instead of traditional space used for drawings (drawings only) such as paper and canvas – a very portable tableau and simple and flat rectangle-shaped object, his works resemble ‘the relation between a crowd and space’ which gets constructed in movies or cartoons. He draws shapes of living creatures, which seems likely to be in cartoons, as if infiltrating on pre-existing actual spaces with its own function – walls in a work room at fine arts college, walls of gallery(white cube), walls and windows in cafe and inside walls of public institutions. These shapes exist temporarily there only for a certain period of time, but they are painted on all over the space even weakening the formal look and the placeness which the space used to have. This aspect is similar to the way and the intention of constructing a scene in movie or making a cut in cartoon/animation.

2. Decoration, The Proliferator

“In enculturating things, that is, increasing more in their value than we have been provided with through natural mechanism, we enculturate ourselves. It is the process of increase-in-value which starts from and returns to us, and has an effect on both of the nature outside us and the nature inside us.”- Georg Simmel

The mural paintings of LEE, Seung-hyun are not drawings of the typically beautiful motif (as its object) like a beautiful woman or beautiful stilled objects. Different from the typical, the artist, by drawing artificial and discordant, and even disparate and grotesque imaginary creature in real space, wants to create the hypothetical condition that the image of living creatures self-proliferates as if it is alive. This is what the artist LEE, Seung-hyun has intended with the succession of the work he has been doing since 2006 until now, and the point where he wants the viewers to participate in with imagination. Therefore, on the white walls of exhibition space or over the whole walls of temporary buildings, it is overflowing with ‘the familiar yet strange beings’, which our imagination can comprehend like the shapes of dinosaurs likely from the Cretaceous period, lumps of organic matter which has not yet been differentiated and a monster as if the heads of squid and alligator synthesized. The image is unique, and the construction dynamic. These things stir up the curiosity in viewers, and satisfy the desire for sensuous pleasure.

Having said that, I believe the most special point lies in the ‘decorativeness’ of his drawing. For example, let us take a look at <Over the Stage> at 2011 Incheon Art Platform Exhibition. The artist portrayed in gray lines on white walls non-existent and strange creatures from its body to tentacles delicately and elaborately, and spread it out as if they are countless particles floating around in the space. The mural painting, arrayed with big lumps and small lumps randomly yet appropriately with blank spaces in between, transforms the exhibition site, which can be somewhat dull and even has the closedness and authoritativeness of white cube, into a vivid and dynamic place. Those vividness and dynamics are the function of LEE, Seung-hyun’s drawing as decorativeness. It is true in a sense that the dead space (in symbolic meaning), which obeys its purpose and does not have distinct character, is made to stand out by ‘adding’ vitality and change (on the perceptive level of the visitors who experience the space). Of course this is not everything.

Here, we can reconsider the meaning of ‘adding’ by expanding it in its elaborate context. So to speak, in the context of proliferation of space and image, usually, we use the word ‘decoration/ornament/adornment’ to mean the addition done to what is already there in order to make it more attractive or modify it differently. Also theoretically decoration has the meaning of a pattern or a form of style which ornaments a certain given object. In both of those contexts, the works of LEE, Seung-hyun are decorative. First of all, because the space he creates his drawings on, as mentioned above, is mostly established spaces (with given purpose and use), so the visitors, without any conscious effort, can accept that those images, which were not originally there, are additions and decorations for the space. At the same time, if we take a look at each part of his drawing they seem like atypical shapes of organisms, however we can realize that there is a kind of random pattern and repetition of fixed style since those images are spreaded out collectively at regular intervals over the wide surface of walls. In this context, the drawings of LEE, Seung-hyun are first decorative.

However if we think about the decorativeness in his works especially in the perspective of proliferation of space, we can find some interesting points. As I have talked about above, this artist puts his drawings directly on the surface of spaces which were built with a particular purpose and operate accordingly to its functions like studios in fine arts college or cafes. For example, in 2006 LEE, Seung-hyun filled the studios and lecture rooms in the graduate school of Seoul National University of Science and Technology with drawings of living creatures in bizarre shape. Called to mind that the studios are normally the official space which the school provides students for creative activities and courses, LEE, Seung-hyun’s work like this is the example of converting the utility of the space into his personal use from the start. However, we can find a meaning in his drawing of the space that he did such a work not merely for his personal interest or satisfaction but because he intended to transform the space through artistic deed. Surely this change was done by adding a new face to the existing space. But we have to take notice of the fact that through the involvement of the artist a new function and a character were added to the space of a shabby and barren studio. In other words, when his work was done (even though it was scheduled to be demolished soon), that place itself became a creation aesthetically functioning added to its function of a creative space, so it became to have the artistic character as well as the practical one. To sum up, in symbolic meaning, in aspect of sensuous perception and on layers of imaginary image, LEE, Seung-hyun’s drawing has proliferated the real space. This is like, as I discussed in the beginning, how movie or cartoon/animation expresses and actualizes the sensation between familiarity and strangeness, and existing being and unknown being by inserting an image of a crowd of people, insects or foreigners to real space, or by overlapping the virtual images and the real space.

3. Commonness of Imagination and Increase in Value

However, the artist LEE, Seung-hyun himself is not doing these works in the perspective of proliferation of space. Or he does not seem to consider these points as the noticeable and productive property of his work. This shows directly in the fact that he had done a series of tableau paintings using similar motif and expressive methodology. The series named <Masterpiece Virus>(2010) has images drawn on square-shaped drawing boards made with jangji paper (Korean traditional paper of high quality, it is thick and durable); images of the famous Western paintings - people can remember the original as soon as they see them such as <Mona Lisa>, <The Girl with a Pearl Earring>, <The Last Supper>, <Guernica> - ‘translated-disassembled’ into lumps of strange organisms. This series will be very well received by the general public who prefers what is unusual yet what is familiar to them at the same time. But considering in another way, those works of his stir up some suspicions that simply LEE, Seung-hyun is using both of the existing space in reality and the traditional space of fine arts as his drawing board without much distinction between them, and that he focuses on forming various images and stories in his imagination and externally expressing them rather than studying specifics of space or place.

So to speak, a certain artist metamorphoses repeatedly not just the visible and physical layer of the space but also the conscious and perceptive layer through site-specific artistic actions like creating drawings or installations in real space. For example, in 2008, Michael Asher at his solo exhibition in Santa Monica Museum of Modern Art awaked the consciousness of the history of art museum and at the same time raised the mechanisms of organizing exhibitions at art museum to the aspect viewers can perceive by reproducing temporary walls, which the museum had built for all the exhibitions during its history of 20 years, in lines using metal and wooden framework. This is a decomposition of the existing space as ‘Art of Art Institutional Critique’ as well as an proliferation of the space as ‘Site-specific Art.’ However in case of LEE, Seung-hyun, rather than this context, he has been occupied more with the story (which the artist has established) of which the living creatures in his drawings are ‘virtually’ proliferating. Deciding which aspect to pay more attention to or what subject to focus more is wholly the artist’s own, and his freedom. But the reason why I am raising this issue here is merely because, considering LEE, Seung-hyun has been doing the work in the method and the content similar to what I discussed above for the past 5 years, or speaking more critically he has been repeating this kind of work, he has been carrying on his works a bit naively and also a bit simply. To think a virtual living thing will have a grotesque shape and to imagine that this kind of creature will appear in our comfortable and familiar life encroaching our space and destroying our culture might be interesting as an individual imagination, but are generally quite cliched. Many movies and cartoons have already visualized imaginations of those stories, and we, most of us, have been growing up developing our thoughts and senses disciplined under the culture of these images. So the imaginations of most of the people are common. Therefore, on the one hand people crave for the works of art which go beyond the commonness, and on the other hand showing a contradiction they go wild over the works which are in a level to just satisfy the commonness of their imagination. I do not know which side the artist, LEE, Seung-hyun should stand on. However I want to point out that although the issue like ‘proliferation of space’ I discussed before is latent in the works he has been doing so far, it has not yet been properly dealt with; and the imagination he believes to be his own and the imaginary images realized through it are similar to that of most people. It is in this context that I quoted Simmel above; ‘The process of increase-in-value’ is to enculturate ourselves as we enculturate things. What is crucial here is how drawings of an artist can accomplish not only ‘proliferation of image’ but also ‘increase in value.’

* KANG, Sumi(1969-) received her doctorate of Philosophy at Dept. of Aesthetics from Hongik University. She is an aesthetician and art critic. She has written many treatises on aesthetics of Walter Benjamin and contemporary art and critique, and currently is conducting Government-supported, public and university researches. Her books include aisthēsis: Thinking with Walter Benjamin’s Aesthetics, Wonderful Reality of Korean Art, The Discovery of Life in Seoul.

플랫폼 아티스트 (인천아트플랫폼)

cryptolee — Sun, 15 Jan 2012 12:30:36 +0900

2기 입주작가 결과보고전<플랫폼 아티스트>

· 일시 : 2012.01.19~2012.02.26

『인천아트플랫폼 레지던시 프로그램 2기 입주작가 결과보고전』

· 장소 : A동, B동, C동, E1동, H 동

· 시간 : 10:00~17:00

Mythical Creatures (류화랑)

cryptolee — Thu, 24 Nov 2011 00:14:38 +0900

Mythical Creatures (류화랑)

cryptolee — Tue, 08 Nov 2011 22:53:10 +0900

Mythical Creatures
이승현,박승예 2인전
2011,11,11~11,30
오프닝 2011,11,11, 18시
한남동 류화랑

http://map.naver.com/local/siteview.nhn?code=19828479

안녕하세요 작가님^^

최진숙 — Thu, 03 Nov 2011 21:32:17 +0900

안녕하세요 저는 협성대학교 조형회화과에 재학중인 최진숙입니다.

다름아니라 제가 이번하기 수업에 저와맞거나 관심있는 좋아하는 스타일의 작가중 개인전을 하고있는 작가에게 찾아가서

인터뷰를 하는 것인데 혹시 가능하신가해서 미리 여쭈어봐요^^

혹시 토요일에 시간이 괜찮으신지 해서 물어봅니다!

제 이메일이나 전화번호로연락 주시면 감사하겠습니다 ^^

diznzndi@naver.com

010 9699 9890 최진숙

행위와 사라짐, 매혹적 경계에서 부유하다. _ 박석태 (미술비평)

cryptolee — Tue, 04 Oct 2011 02:09:04 +0900

행위와 사라짐, 매혹적 경계에서 부유하다.

■ 박석태_미술비평

그린다는 행위는 두 가지의 의미를 함축하고 있다. 주지하듯이 하나는 어떤 대상(원본)을 그대로 재현하는 행위와 결과라는 의미일 테고, 다른 하나는 그것에 기반을 두지 않는 새로운 차원의 형상을 만들어낸다는 의미를 갖고 있다. 전자를 이데아의 그늘 속에 숨어서 그 본질에 탐닉하는 미메시스(mimesis)라고 이름 붙일 수 있다면, 후자는 목적 없는 대상의 목적 없는 창조라는 말로 표현할 수 있을 것이다. 이승현의 드로잉은 이 두 가지 의미의 경계점에 위치하여, 미메시스적인 선과 기법으로 새로운 변종의 생물체를 창조하는 것처럼 보인다.

그런데 그린다는 행위가 예술가에게는 두 함의의 성립 이전에 그것이 추구하는 행위의 본질로서의 ‘유희’라는 개념이 전제된다. 즉 굳이 행위의 결과로서의 작품이 유일무이성(originality)에 대해 집요하게 추구하지 않더라도, 혹은 영원성을 확보하지 않더라도, 행위를 하는 예술가에게는 그 자신이 문제 삼는 대상을 만들어내는 과정에서 필연적으로 느껴지는 쾌감이 동반되기 마련이다. 이승현이 그려내는 드로잉은 이 모든 것들을 포용하고 있는 듯 보이면서도 동시에 그 모두의 경계 어딘가에 조금씩 걸쳐 있는 것처럼 보이기도 한다. 그래서 이번 전시에서 일시적으로 그가 창조해낸 세계가 일정 기간 존재했다가 사라지고 말지라도, 결과로서의 작품 이전에 행위의 흔적이라는 속성을 확보하고 있기 때문에 의미를 확보할 수 있게 된다. 즉 일정한 시간 동안 존재했다가 사라지는 것이 행위의 본질이라면, 그의 드로잉은 사라짐으로 해서 그 자신의 당위성을 입증해 보일 수가 있을 것이다.

그의 드로잉에 대한 그 동안의 많은 논의대로 그가 만들어내는 화면은 스스로 증식하고 뻗어나가면서 마치 새로운 생명을 확보하는 듯한 착각을 불러일으킨다. 이는 그의 독특한 작업의 방식을 보면 적이 이해가 될 터인데, 무의식과 의식 중간을 떠올리게 하는 그만의 드로잉의 가운데에 음악이 개입되어 있는 걸 떠올리면 쉽게 이해가 될 듯하다. 드로잉과 음악이 과연 어떤 면에서 친연성을 가지는가. 두툼한 헤드폰을 통해 그 스스로도 순서와 장르를 미리 알지 못하는 음악이 끊이지 않고, 그는 그렇게 들리는 음악의 발자취를 따라가기도, 혹은 단속적(斷續的)으로 인식하기도 하며, 마침내는 아무 것도 들리지 않는 탈아(脫我)의 경지를 확인하기도 하는 것이다. 이는 그의 작품과 매우 유사한 구조를 지닌다. 그 스스로도 시작과 끝을 인식하지 않고, 어떠한 지향점도 상정하지 않는 그의 작업 방식은 예의 무작위적인 음악의 나열과 매우 유사한 양상을 보인다. 이는 또 다시 멜로디와 리듬이라는 요소로 이루어진 음악이 그러하듯이 회화적 요소들이 일정한 체계를 가지고 반복적으로 등장하는 형태에서 확인할 수 있다. 다시 말하자면 그가 창조해내는 이름 모를 생명체들은 필시 어디에서 본 듯한 생명체의 기관들을 떠올릴 수 있는 바, 그것이 지느러미이든 비늘이든 촉수이든 어떤 의미에서건 생명을 연상하게 하는 기본적이고 함축적인 상징으로 작용하고 있다는 것이다. 이는 그의 의식에 뿌리 깊게 깔려 있는 생명체에 대한 일종의 재현으로 볼 수 있다. 그러나 그는 그것들을 단속적이고도 그럴 듯하게 조합하고 변형하여 새로운 생명으로 화(化)하게 한다. 이는 그가 재생하는 음악의 무작위성과 매우 비슷한 양상으로서, 유의미적인, 혹은 의식적인 차원과는 먼 지점에 서 있다. 그러므로 그의 화면에 등장하는 일단의 생명체들은 의식적 사유를 바탕으로 무의식의 세계를 부유(浮游)하고 있다고 말할 수 있다.

듣는 행위와 그리는 행위는 사실 그에게는 모두 놀이에 가깝다. 그에게 듣는 동시에 그리는 모든 행위는 원초적인 놀이에 다름 아닌 것이다. 그러므로 이승현의 드로잉을 바라보는 우리는 구태여 수고롭게 하나하나의 기관이 무엇을 상징하는가를 찾는 일 따위는 하지 않는 편이 좋다. 그저 그 속에 녹아 있는 소리와 동시에 존재하는 그의 행위를 느낄 일이다. 흥겹게 그가 펼쳐 보인 세계에 들어가 함께 떠다니며 느끼면 그만이다.

이승현.hwp

Over The Stage_ paint marker on the wall_ 542(L)x555(M)x542(R)x250(H)cm_ 2011

인천양조주식회사 (스페이스빔)

cryptolee — Sun, 02 Oct 2011 00:32:06 +0900

서울드로잉클럽은 드로잉을 다양한 삶의 공간 속에서 실천하려는 소규모 활동 모임이다. 기존의 전시 활동뿐만 아니라 비정기적 잡지와 드로잉 출판과 온라인 아카이브를 통해 경계없이 드로잉을 만나고, 논할 수 있는 자리를 마련함으로써 드로잉의 확장 가능성을 모색해 보려 한다.

Over The Stage (인천아트플랫폼)

cryptolee — Thu, 22 Sep 2011 23:04:31 +0900

Over The Stage

이승현展 / LEESEUNGHYUN / 李升鉉 / drawing
2011_0923 ▶ 2011_1106

Over The Stage_페인트마카_250×555×542cm_2011

별도의 초대일시가 없습니다.

관람시간 / 09:00am~06:00pm

인천아트플랫폼, 프로젝트룸
INCHEON ART PLATFORM, Project Room
인천시 중구 제물량로 218번길 3 Tel. +82.32.760.1005
www.inartplatform.kr

행위와 사라짐, 매혹적 경계에서 부유하다. ● 그린다는 행위는 두 가지의 의미를 함축하고 있다. 주지하듯이 하나는 어떤 대상(원본)을 그대로 재현하는 행위와 결과라는 의미일 테고, 다른 하나는 그것에 기반을 두지 않는 새로운 차원의 형상을 만들어낸다는 의미를 갖고 있다. 전자를 이데아의 그늘 속에 숨어서 그 본질에 탐닉하는 미메시스(mimesis)라고 이름 붙일 수 있다면, 후자는 목적 없는 대상의 목적 없는 창조라는 말로 표현할 수 있을 것이다. 이승현의 드로잉은 이 두 가지 의미의 경계점에 위치하여, 미메시스적인 선과 기법으로 새로운 변종의 생물체를 창조하는 것처럼 보인다.

Over The Stage_페인트마카_2011_부분

그런데 그린다는 행위가 예술가에게는 두 함의의 성립 이전에 그것이 추구하는 행위의 본질로서의 '유희'라는 개념이 전제된다. 즉 굳이 행위의 결과로서의 작품이 유일무이성(originality)에 대해 집요하게 추구하지 않더라도, 혹은 영원성을 확보하지 않더라도, 행위를 하는 예술가에게는 그 자신이 문제 삼는 대상을 만들어내는 과정에서 필연적으로 느껴지는 쾌감이 동반되기 마련이다. 이승현이 그려내는 드로잉은 이 모든 것들을 포용하고 있는 듯 보이면서도 동시에 그 모두의 경계 어딘가에 조금씩 걸쳐 있는 것처럼 보이기도 한다. 그래서 이번 전시에서 일시적으로 그가 창조해낸 세계가 일정 기간 존재했다가 사라지고 말지라도, 결과로서의 작품 이전에 행위의 흔적이라는 속성을 확보하고 있기 때문에 의미를 확보할 수 있게 된다. 즉 일정한 시간 동안 존재했다가 사라지는 것이 행위의 본질이라면, 그의 드로잉은 사라짐으로 해서 그 자신의 당위성을 입증해 보일 수가 있을 것이다.

Over The Stage_페인트마카_2011_부분

이승현_Over The Stage_페인트마카_2011_부분

http://v.daum.net/link/20813607?CT=MY_SUB

http://www.unionpress.co.kr/news/detail.php?number=127948&thread=02r02r01

Over The Stage (인천아트플랫폼)

cryptolee — Mon, 19 Sep 2011 23:08:59 +0900

http://www.cryptolee.com/exh_etc/6453

페스티벌 오프닝 OPENING
2011. 09. 24. SAT. 4pm

> 오프닝 퍼포먼스 & 파티
OPENING PERFORMANCES & PARTY

>> 4pm

연희컴퍼니 유희의 ‘유희노리’
YeonHee Company U-Hee ‘YUHUINORI’
B동 전시장 #B Gallery

>> 5-7pm
DJ 안원섭과 함께하는 파티

Party with DJ AN Won Wonseop
드레스 코드 Dress CODE : 그동안 입지 못했던 옷 입어보기
H동 커뮤니티룸 #H Community Room

9/24(SAT) 1pm - 4pm
(투어 프로그램 Tour Program 2pm)
09/25(SUN) 1pm - 6pm
(투어 프로그램 Tour Programs 2pm, 4pm)

인천아트플랫폼 E동 작가스튜디오 Building E, Artist Studios

> 오프닝 셔틀버스

2011. 09. 24. 토

서울-인천아트플랫폼 간

14:00 안국역 1번 출구(풍문여고 앞) ‣ 14:45 합정역 8번 출구 ‣ 15:40 인천역 ‣ 15:50 인천아트플랫폼

인천아트플랫폼-서울 간

20:00 인천아트플랫폼 ‣ 인천역 ‣ 합정역 ‣ 안국역

> SHUTTLE BUS INFORMATION

SEP 24(SAT), 2011

Seoul- Incheon Art Platform

14:00 An

guk Subway Station(Exit 1), Seoul> 14:45 Hapjeong Subway Station(Exit 8), Seoul> 15:40 Incheon Subway Station, Incheon > 15:40 Incheon Art Platform, Incheon

Incheon Art Platform-Seoul

20:00 Incheon Art Platform ‣ Incheon Subway Station ‣ Hapjeong Subway Station ‣ Anguk Subway Station

----------------------------------------------------------------------------------------------

> 플랫폼 아티스트 인터뷰
PLATFORM ARTISTS'S INTERVIEW
9/23 - 11/06
A동 크리스탈 큐브 #A Cristal Cube

> 이승현 LEE Seung-hyun
OVER THE STAGE
월 페인팅 프로젝트 WALL Painting Project
9/23 - 11/06
벽면에 펜 드로잉 Pen Drawing on Wall, 2011
H동 프로젝트 룸 #H Project Room

> 공연 & 퍼포먼스

조선천재 김해송
CHOSUN GENIUS KIM Haesong
10/22 SAT, 4pm
C동 공연장 #C Theater
연출 : 윤중강 Directed YOON Jung-kang
연주 : 만요컴퍼니 Playing by MANYO Company

엘리자 페르난데즈 알테타 Elisa Fernandez Artera
감각에 대한 연구
Study of Proprioception
퍼포먼스 Performance 2011
10/7, 10/14, 10/21 FRI, 4pm
A동 크리스탈 큐브 #A Cristal Cube

라디컬 인텐션 Radical Intention
프라이드 북

FRIED BOOK
장소특정 퍼포먼스 Site-Specific Performance 2011
10/25 TUE, 4pm
H동 커뮤니티룸 #H Community Room

조습 JO Seub
시월의 마지막 밤
THE LAST NIGHT IN OCTOBER
영상상영회 Video Screening 2011
11/3 4,5,6,7pm
C동 공연장 #C Theater

Over The Stage

http://www.cryptolee.com/exh_etc/6453

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cryptolee — Sun, 18 Sep 2011 02:30:01 +0900

광고, 스팸성 글 게재 금지!

cryptolee — Sat, 17 Sep 2011 23:12:02 +0900

제 발!

[시민과 작가가 만나다 · 12] 이승현 현대미술가-_ (경인일보)

cryptolee — Wed, 27 Jul 2011 12:50:11 +0900

[시민과 작가가 만나다 · 12] 이승현 현대미술가

원칙 없앤 '드로잉의 재탄생' 명작 해부 생명을 불어넣다

올초 인천아트플랫폼 입주작가 선정
선 무한반복·유기적 변형 작풍 고수
인천 근대문물 소재 작품 포부 밝혀

이승현의 미확인 생명체가 갖는 특이한 존재적 층위는 그것이 생성되는 방식에서 비롯된다. 무엇을 어떻게 그리겠다는 계획이나 의식도 없이 온전히 '그리기'라는 행위에만 몰두해 주어진 공간 안에서 작가의 손끝을 따라 확장되는 자율적인 생성 과정이 바로 그것이다.

물론 형상을 만들어내는 것은 작가이지만, 그것은 작가가 화면에 전혀 새로운 것을 창조해내고 통제할 수 있다는 전통적인 의미에서의 창조와는 분명 다르다. 흡사 어디엔가 원래 존재하고 있던 무언가가 작가의 손끝을 타고 내려와 화면에 안착하는 것처럼 작가는 그 일련의 흐름에 자신을 내어준다.

이승현의 그림 속 형상은 재현도 아니지만 순수한 창조도 아닌 형식적 자율성에 의존하여 생성된 고유한 위치를 점한다. - 신혜영 미술평론가의 'Crypto MUSEUM-자율적 그리기에 점령당한 명화' 중에서(2010년)


▲ 이승현 作 'Masterpiece virus 009'.

1년 전 이맘때 서울 서교동의 한 갤러리에 '명화 바이러스(Masterpiece Virus)'가 출몰했다. '미확인미술관(Crypto MUSEUM)'이라는 이름 아래 현존하는 명화 바이러스들이 한자리에 모인 것이 처음이어서 국내 미술계의 관심을 끌었다.

서양미술사의 대표적 명화들에 침투한 이승현씨의 '미확인 생명체'는 그림마다 각기 다른 양상으로 확산되고 정착해 기이한 모습으로 명화의 기존 질서를 뒤흔들었다.

고흐의 '자화상'과 베르미어의 '진주귀걸이를 한 소녀'의 얼굴은 사방으로 흩어지기 시작해 여기저기 촉수가 자란 형상이다. 고흐의 '별이 빛나는 밤'처럼 배경과 형상까지 생명체가 파고들어 그 형체를 알 수 없게 된 경우도 있다. 보티첼리와 미켈란젤로의 작품 등도 마찬가지다.

올해 초 인천아트플랫폼 입주작가로 선정돼 후속 작업에 몰두하고 있는 이씨를 만나 작품에 대한 이야기를 나눴다.

이씨는 현재까지 창작한 포트폴리오를 직접 보여주며 작품 세계에 대해 설명했다. 그는 "고정된 틀에서 벗어나려는 생각에서 '명화 바이러스' 연작들을 그렸다"고 말했다. '선의 무한 반복과 자율 증식'을 통한 창작을 고수하고 있는 이씨의 작품은 작가로서의 출발지점과 맞닿아 있다.

그는 "회화의 모든 원칙과 관습이 자신을 옭아맨다는 생각이 들었다"며 "이 같은 원칙과 관습을 제거하고 남는 것들을 고민했고, 결국 '그리기'라는 최소한의 요소로부터 모든 것을 시작하게 됐다"고 설명했다.

빈 캔버스에 어떤 계획도 없이 최초의 선을 긋고 그 흔적에 따라 다음 선을 이어감으로써 유기적 형태를 완성하는 것이다. 선이 반복되고 중첩되면서 농담과 명암이 나타나고 우연적인 형상이 탄생하게 되며, 그 형상이 일종의 생명체로 인식되는 이유도 그리기 형식의 특징에서 비롯됐다.

이씨는 2006년 철거가 예정된 조립식 가건물(대학원 강의실 겸 작업실)에서 기존에 사용되던 기물들과 흔적 등을 그대로 이용해 2개월간 작업했다. 작업 후 건물이 철거되기 직전 이를 해체해 전시장으로 옮겨와 재조립해 전시회도 가졌다.

이씨는 "근대 문물 등 각별한 의미를 띤 공간이 인천에 많다"며 "5년 전 했던 작업을 인천에서도 해보고 싶다"고 말했다. 그는 또한 "이 같은 작업 공간을 찾고 있는데 쉽지 않다"며 "이번 인터뷰를 통해 내 뜻이 알려졌으면 좋겠다"고 덧붙였다.

■작가소개

이승현은 서울과학기술대학교(대학원)에서 조형예술학을 전공했다. 2004년 유형생식, 2007년 미확인동물학, 2010년 Crypto- MUSEUM 등의 개인전을 가졌다. 작가는 특정 종(種)이나 군(郡)의 생명체를 묘사하지 않았음에도 작품에 흡사 생물이 번식하는 것과 같은 생명성을 부여했으며, 이 생명체는 'N.C(New Creature)' '몬스터(Monster)' '미확인동물학(Cryptozoology)' '가변증식체(adjustable proliferator)' 등의 이름으로 변형·발전했다. 또한 작가는 건물이 철거되기 전 작업한 벽면과 그 밖의 부수적인 요소들을 그대로 뜯어내 보관하였다가 이후 몇 차례 미술관 전시에서 재배치해 보여준 바 있다. /김영준기자

기사/김영준 기자 | kyj@kyeongin.com
사진/김범준 기자

출처: (경인일보 7.20.2011) http://www.kyeongin.com/news/articleView2.html?idxno=596363

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cryptolee — Fri, 25 Mar 2011 18:08:39 +0900

Untiltled 타일에 도자안료 35x35cm 2011

[상:像 상:想] 형상에 시선이 머물다 (갤러리 터치아트)

cryptolee — Wed, 09 Mar 2011 00:20:00 +0900

News http://www.naeil.com/news/Local_ViewNews_n.asp?bulyooid=8&nnum=599463
http://pann.news.nate.com/info/250815422

2011 인천상륙作展 (인천아트플랫폼)

cryptolee — Tue, 08 Mar 2011 23:55:51 +0900

초대일시 / 2011_0311_금요일_06:00pm

참여작가 김태준_김혜지_박석태_박하민_배진호_박영숙_손혜민_오민수_오석근 오시은_유광식_유지환_윤석남_윤주희_윤중강_이민경_이봄순_이승현 임선이_조습_현태준_홍성민_다나 올라레스큐Dana Olarescu(영국) 조슈아 로버츠Joshua Roberts(미국)_사샤 폴Sascha Pohle(네덜란드) 타케시 모로Takeshi Moro(일본)_김영욱_김태은

전시 / 2011_0312 ▶ 2011_0529

@ B동 전시장, 크리스탈 큐브, 프로젝트룸

2011 인천아트플랫폼 2기 입주작가 프리뷰展

오픈 스튜디오 / 2011_0430 ▶ 2011_0501 (01:00pm~06:00pm)

@ 인천아트플랫폼 스튜디오, 아트&디자인 스튜디오

2011 인천아트플랫폼 2기 입주작가 프리뷰展

플랫폼 창고 세일(Platform Garage Sale)

2011_0429 ▶ 2011_0501 (01:00pm~06:00pm) @

인천아트플랫폼 공동작업실 입주작가 및 인천작가의 소품 전시판매,

수익금은 난치병 어린이 돕기 기금으로 기부

연계교육프로그램 신청 및 문의 Tel. +82.32.760.1008

관람시간 / 10:00am~06:00pm / 금~토_10:00am~08:00pm / 월요일 휴관

인천아트플랫폼 INCHEON ART PLATFORM

인천시 중구 해안동1가 10-1번지 Tel. +82.32.760.1000

www.inartplatform.kr

인천아트플랫폼은 한국 근대 역사의 현장인 개항장 일대의 오래된 창고들이 예술창작의 현장으로 탈바꿈한 곳으로, 국내외 예술가들이 모여 다양한 장르간의 통섭을 실험하고 있다. 인천아트플랫폼은 그 중심 기능인 레지던시 프로그램을 통해 파일럿 작가와 1기 입주작가를 배출하였고, 2011년 역사의 현장을 예술의 현장으로 변모시킬 2기 예술가들을 맞이한다. 1~2월 심의를 통해 시각예술, 공연예술, 문학 및 이론분야의 국내외 예술가 28명이 선정되어 인천에서의 활동 준비를 마친 상태이다.

이번 <2011 인천상륙작전>은 인천아트플랫폼 레지던시 2기 작가들의 입주시기에 맞추어 기획된, 프리뷰 형식의 전시이다. 이번 전시의 제목은 1950년 9월 15일 국제연합군이 맥아더의 지휘 아래 인천에 상륙했던 사건을 지칭하는 <인천상륙작전>에서 차용한 것이다. 이는 60여년 전 이 군사작전(作戰)이 6ㆍ25전쟁의 전세를 바꾸는 역사적 사건으로 기록되었던 것처럼, 이번 인천아트플랫폼 2기 작가들의 인천 작전(作展)이 이 시대 미술의 현장에 의미있는 사건으로 기록될 것이라는 의지와 각오를 담고 있다. 이번 전시는 회화, 설치, 사진, 영상, 공연, 문학 등 다양한 장르에 걸친 입주작가들이 각각의 대표작품을 선보인다.

우선 B동 전시장에는 전통적인 산수화를 현대적인 방식으로 재구성하는 오민수, 유기체적 생명체의 형상으로 명화를 재현한 이승현의 회화작품을 비롯하여, 정치적 이슈를 풍자적으로 연출하는 조습, 도시공간을 기록하는 유광식, 시대의 부조리성을 교과서 속의 인물을 통해 담는 오석근, 페미니즘 사진을 대표하는 박영숙 등의 사진작품들을 만날 수 있다. 이밖에 이봄순과 이민경의 실험적인 설치작업과 배진호의 조각, 조각과 사진 매체를 통하여 공간의 개념을 실험하는 임선이의 작품도 관심을 끈다. 한편 전시장 2층에는 보다 다양한 방식으로 영상 및 다원예술작품, 공연 기록물들이 전시된다. 사샤 폴Sascha Pohle(네덜란드)과 타케시 모로Takeshi Moro(일본), 손혜민 등의 영상작품이 상영되는 한편, 다원예술 및 공연 분야의 홍성민과 다나 올라레스큐Dana Olarescu(UK), 박하민과 유지환의 공연 기록영상 및 설치물이 전시되며, 설치 및 영상작업을 하는 김태준과 윤주희의 작품은 사진, 영상을 통해 선보여진다. 또한 현태준의 만화, 일러스트레이션 작업이 만화방 형식으로 구성되고 미술평론가 박석태와 공연평론가 윤중강, 아동문학가 오시은 등의 작업은 아카이브 형식으로 소개된다. 마지막으로 김태은과 김영욱, 건축가 조슈아 로버츠 Joshua Robert(USA)의 작품은 앞으로 이곳에서 진행될 작업을 상징적으로 보여준다.

B동 전시장과 아울러 A동 크리스탈 큐브와 H동 프로젝트룸도 전시작품으로 이어지는데, 크리스탈 큐브에는 한국 여성주의 미술의 대모로 불리는 윤석남의 작품 <1,025>를, 프로젝트룸에는 김혜지의 영상작품을 만날 수 있다. 이번 2011 인천아트플랫폼 레지던시 2기 입주작가 프리뷰전은 대한민국의 관문 인천에 상륙한 예술가들이 그간 어떠한 작품세계를 보여왔는지 그 전력과 필력을 알아보는 전초전(前哨展)으로서 작가들이 앞으로 어떤 활동을 펼쳐나갈 것인지 헤아려 볼 수 있는 기회가 될 것이다. ▍인천아트플랫폼

[상:像 상:想] 형상에 시선이 머물다 (갤러리터치아트)

cryptolee — Thu, 03 Mar 2011 22:52:47 +0900

갤러리 터치아트

2011.3.18(Fri)-4.24(Sun)
opening 3.18, Friday, 5pm

참여작가 |
구성연, 김현숙, 문재일, 이승현, 이중근, 홍지연 (가나다순)

이번 전시는 보여지는 형상의 고유성을 바탕으로 재현되거나 원형을 비틀어 새롭게 구성한 주관적인 상상의 형상을 담아낸 작품을 소개한다.

현대미술은 비주얼 컬쳐(visual culture )의 생산지며, 이미지의 홍수 속에 거대해져 간다. 대중화된 이미지나 고유성을 가진 이미지들은 종종 작품 속에 재현되거나 본래의 형상이 왜곡되어 등장한다. 이러한 형상들을 발견하는 순간 우리의 시각은 새로운 감상놀이에 빠져들게 된다. 작품 속에서 서로 다른 이미지 구성과 연결 등 서로 디테일로 조합되어 복잡한 구성을 창조해 내고 있지만 그 안에서는 작가의 손을 거치면서 나름대로의 논리를 통해 새로운 창조물로 탄생한다. 동일한 형태를 반복적으로 패턴화 시키거나, 규격화된 캔버스 안에 두 개의 이미지가 겹쳐지고 분할을 이루면서 시각의 혼란을 일으키기도 한다. 의식과 무의식, 조합과 파괴 등 서로 대비되는 성격은 우연한 발견을 만들어내고, 이를 통해 시각적 환상(fantasy)을 만들어낸다. 행위 자체에 부여된 무의식적 지배는 너무도 강해 본래의 원형에서 의미를 상실하고 재생산된 2차적 새로운 이미지에 대한 또 다른 의미부여에 집중한다. 이 무의식의 역할은 과연 우리가 바라보는 작품에 있어 어떠한 메시지를 담아내고 있는지에 대한 질문이 생긴다. 눈을 통해 뇌까지 이르러 인식의 작용이 일어나는 과정은 순간이지만, 시각의 움직임은 인식되는 과정에 앞서 연속적으로 일어난다. 작품 속에 담겨진 이미지의 형상들은 바로 이러한 인식의 과정을 통해 주관적인 감성의 루트를 만들어낸다. 바로 인식의 세계로 들어가는 것이다. 동일한 이미지를 통해서도 다른 메시지 전달이 가능하다. 예를 들어 꽃이라 해도 그것이 진정한 꽃의 본질이 아닐 수 있으며, 자연풍경이라 해도 진정한 자연을 담은 풍경이 아닐 수도 있다. 이러한 양면적인 수용의 선택에 있어 우린 어떻게 이해를 할 것인가에 대한 소통을 지속해 나간다. 이는 본질이 가진 형상의 의미와 연계성을 찾아내고, 그 속에서 우연성을 발견한다는 의식의 여행이다.

이번 전시는 주관적인 인식의 창조력과 행위의 능동적 수용력이 만들어내는 독특한 작품들을 통해 보이는 것 자체 만이 아닌 이면에 숨겨진 진정한 바라보기에 대한 소통의 기회가 될 것이며, 현대미술이 담아내고 있는 다양한 표현방식을 자신만의 상상의 시선으로 잠시 멈추어 바라볼 수 있는 시간이 될 것이다.

http://www.gallerytouchart.com/

인천상륙作展 (인천아트플랫폼)

cryptolee — Thu, 03 Mar 2011 22:50:53 +0900

http://www.inartplatform.kr/

http://www.cryptolee.com/exh_group/6119

몰입- Finding flow (제주도립미술관)

cryptolee — Tue, 01 Mar 2011 00:49:35 +0900

몰입-Finding Flow

○ 전시회명 : 몰입 - Finding Flow
○ 전시기간 : 2011, 2, 19 - 2011, 04, 24
○ 전시장소 : 제주도립미술관 기획전시실

문 의 : 강효실 학예연구사 (T) 064-710-4265

사실보다는 이미지가 보다 큰 설득력을 획득하는 시각의 시대, 이미지의 시대다. 예술은 보는 것을 넘어 피부로 느끼는 것, 혹은 그 이상의 직접적인 가촉성을 주문받는다. 시각예술에 대한 변화된 기대와 함께 역할의 중요성이 새삼 강조되는 최첨단 과학의 시대인 21세기, 시각예술의 수공적 속성도 크게 흔들려 전통적인 형식을 따르는 작품제작방식이 감소하고 있다.
이번 전시 <몰입 - Finding Flow>는 머리와 입으로 만들어내는 작업이 아닌 예술적 가치 창조를 위한 노동집약적인 방법, 즉 손의 수고로움을 강조한 작업을 통해 예술의 시각적인, 간접적인 촉각성을 동시에 보여주고자 한다. 또한 잡념을 버리고 자신의 모든 정신을 집중하는 몰입의 과정을 보여주는 전시작품들은 예술 본연의 역할과 기능을 다시 생각해보는 기회를 제공할 것이다. ■ 제주도립미술관

몰입 - Finding Flow (제주도립미술관)

cryptolee — Wed, 26 Jan 2011 20:30:48 +0900

몰입 - Finding Flow 展

전시기간 : 2011, 02, 19 - ~~2011, 04, 24~~ (05,08까지 연장)
전시장소 : 제주도립미술관 기획전시실

오프닝: 2011.02.19 17:00

http://jmoa.jeju.go.kr/

http://www.cryptolee.com/exh_group/6086

명함정리 하다가...

권미성 — Mon, 03 Jan 2011 21:59:07 +0900

명함정리 하다가 홈피에 들어와 봤어요...

이재헌작가 전시에 오셨었죠?

홈피가 잘 정리 되어 있네요...

전문가와 만남- '이승현(미술작가) & 최창호(심리학자)'

cryptolee — Fri, 17 Dec 2010 00:25:50 +0900

고양스튜디오 어드바이징 프로그램 - 전문가와 만남

'이승현(미술작가) & 최창호(심리학자)'

최창호(이하 최): 저를 선택하신 이유는 무엇입니까?

이승현(이하 이): 제 작품과 관련하여 미술이외의 분야에 계신 전문가와 만나 의견을 듣고 싶었습니다. 제 작업과정이 의식적이거나 의식이면의 것과 관련하여 만들어진다고 생각하는데 아무래도 선생님께서 심리학자이시니 제 작업에 대한 생각과 의견을 듣고 싶어 선생님을 만나 뵙고자 하였습니다... (중략)

최: 천지창조적인 우주의 근원에 대한 의식에서 바라보기 힘든 바로 무의식적인 그중에서도 융의 집단무의식속에 숨겨져 있는 규명되지 않은 무의식 저변에 있는 근원적인 물음에 대한 답이나 형상화하지 않나 라는 생각을 했습니다. 구성은 또 오밀조밀 연결이 되어 있어 굉장치 치밀한 분이라는 것은 느꼈습니다. 구성, 연결 등이 디테일 하게 창조 하지만 그 안에서는 나름대로의 논리를 가지고 있다고 생각했습니다. 그림을 처음 보았을 때 이러한 느낌을 받았습니다.

이: 저는 결과가 어떤 상태로 마무리 될 것인지를 정해놓지 않고 밑그림 없이 작업을 시작합니다. 선을 이용해서 드로잉 작업을 하다 보니 우연적 형상이 만들어지기 시작했습니다. 그 형상들이 기존에 없는 생명체가 만들어지는 과정처럼 보이기 시작하였고 말씀 하신 것처럼 만들어가는 세밀한 과정이 있는데 그 과정 중 작업에 집중을 하다 보니 저도 모르게 무의식에도 빠져 드는 것 같습니다. 의식과 무의식을 오가며 새로운 생명체들을 발견하고 만들어가는 작업을 하는 것은 아닐까? 라는 생각이 듭니다.

최: 그것이 선생님이 창조한 것일 수도 있고 아니면 우리가 발견하지 못한 것을 발견한 것일 수도 있습니다. 이걸 다른 사람은 못 느낄 수도 있습니다. 왜냐하면 우리의 세계와는 너무 다른 것일 수도 있기 때문입니다. 그런데 그림을 보면 날아다니는 동물들이 많은 것 같아요. 이러한 것을 심리학에서는 현실에 대한 도피 내지는 자유롭고자하는 욕망의 표현이라고도 하는데 그런 의미가 담겨있는 건가요?

이: 작업의 내용이 규정이나 규율을 벗어나고 싶어 하는 욕구들이 전이가 되는 것이 아닌가 합니다. 몰입하다보면 저도 공중에 떠있는 듯한 느낌을 받기도 해요. 어느 순간에는 즐겁다는 말로는 표현할 수 없는 그 자체에 빠지게 되요. 작업을 하다보면 그림 스스로 자가증식을 하는 듯한 착각이 들었습니다. 마치 제가 창조자가 되어 그 순간부터 그림 그리는 사람이라기보다는 관찰자의 입장에서 목격하는 사람처럼 됩니다.

최: 우리가 느끼는 몰입 이후에 절정의 순간이 오면 굉장히 평온해진다는 것입니다. 예를 들어, 러너스 하이(runner's high)라 해서 마라토너들이 굉장히 고통스러운 고비를 넘겼을 때 뇌 속의 앤돌핀이 분비되며 오는 이룰 말할 수 없는 행복감과 비슷한 경험을 이야기 하는 것 같습니다. 이러한 단계가 된다면 평온한 상태에서의 관찰자 느낌으로 정적인 행복감이 더 느끼시는 순간에 그런 느낌이 오는 것 같습니다. 원래 이런 것에 관심이 있었나요?

보이지 않게 성적인 것도 있고 그런 에너지들이 이런 쪽으로 발산되는 것일 수도 있어요. 그런 것들이 나름대로 선생님 내면에서 드러내지는 않더라도 무의식속에서의 갈등이 있었을거에요. 어떤 기존의 관습이나 틀에 대한 저항일 수도 있어요. ‘00’라는 작가분이 있는데 결혼도 일찍 하시고 돈도 풍족하시니 창작은 잘 이루어 지지 않는 그런 미묘한 것들이 있더라고요.

이: 사람마다 다르긴 하지만 자신이 가지고 있는 에너지가 어느 쪽으로 소비가 되느냐에 따라 다른데, 한쪽으로 뭔가를 몰두 하다보면 다른 한쪽은 결핍이 일어날 수도 있는 건 아닐까 싶어요. 전 정신적인 독립이 늦은 만큼 아직 사회적인 철이 덜 든 것은 아닌가 생각해요.

최: 사회적인 철이 덜 든 것이 오히려 창작하는 것에 도움이 되지 않나요? 저 같은 경우는 책 쓰는 것을 즐기기 때문에 졸저라 하더라도 거기에서 행복감을 느끼거든요. 강의도 많이 하고 방송도 하고 돈을 알고 나니깐 얼마 팔리지도 않는 책을 쓰는 것이 힘들어 지더라고요. 차일드 에고가 강한 사람들이 도전적이고 반항적인 것을 소유하고 있어 창작에는 유리하죠. 그러면서도 프리차일드 에고를 가지고 있는 자유로운 영혼을 가지고 있는 사람들이 창작도 유리하고 선생님 같은 경우도 스스로 유희하는거 자체가 복 받으신거죠. 작업을 하면서 너무 고통스럽게 하시는 분들도 있잖아요. 어느 순간 단계가 되면 자기가 살아서 움직이는 것처럼 느껴지고 저런 것은 사람을 해치거나 하지는 않나요? 예를 들어 자기들끼리 싸운다거나 사람을 해친다거나 그런 것이 있나요?

이: 그런 스토리를 만들면서 작업을 하지는 않아요. 백지 상태 작업이 저한테는 편해요. 작업을 하다보면 연상되는 이미지를 쫓아가기도 하고 그야말로 손에서 나오는 대로 작업을 하기도 하는데 연상될 때는 하얀 여백 안에 다른 형상이 그려지진 않았지만 눈에 보이기 시작해요. 그것을 따라가면서 작업을 하는 재미가 있어요. 내가 그린 것이 아니라 있는 것을 그려나가는 작업자가 아닐까 생각이 들더라고요.

최: 어린 아이들이 마치 사물에 영혼이 있어 대화를 나누는 것처럼 일종의 애니미즘적인 것일 수도 있겠지만 그만큼 어린이 자아 속으로 세상을 보는 것이죠. 그것이 심하면 환상, 환각, 착취 일수도 있다는 것이죠. 원래 창작하는 분들은 약간 정신분열적인 것이 있어줘야 되요.

이: 그러면서 이런 것이 제 손에서 나오기도 하고 의식이면에서 나온다고 생각하고 저 뿐만 아니라 모든 사람이 가지고 있는 것인데 저는 작업을 하면서 이것을 발견한 것이 아닌가 생각을 해요.

최: 융은 집단무의식, 개인무의식으로 구분을 하는데, 개인무의식은 살아오면서 체험하는 경험의 무의식이라고 하면 집단 무의식은 우리의 인류가 가진 의식하지 못하는 무의식인데 보통의 사람들은 관심도 없는 것이지만 선생님은 그것을 찾아내고 발견하는 남들이 경험하기 힘든 세계죠. 어떤 사람들은 신화나 관습 같은 것을 얘기하지만 이걸 비디오 아트나 플레쉬나 그런 표현을 하면 새로운 세계가 나타나지 않을까 해요.

이: 지금은 우선 그리는 행위 차제에 관심이 많아 직성이 풀릴 때까지 해보고 싶어요. 규정화되고 틀지어지고 억압하는 것에 벗어나고자 하는 것에서 시작되는데 그런 작업이 명화 이미지를 차용하는 작업으로 이어졌어요. 이건 얼마 전에 개인전을 했을 때 자료인데요, 기존의 권위에 대한 도전으로 가상의 미술관을 만들어 전시를 했습니다. 다른 작업에 비해 공격적인 성향이 여기에서는 보여지지 않았을까 합니다.

최: 바이러스가 침투해서 기존의 권위내지는 명성에 대한 리벨리우스, 차일드에고 라는 반항적인 자아가 여기서 보여지는 것 같아요. 언듯 보면 섬뜩하고 무서운 느낌이 들 수도 있는데 가만히 보다 보면 눈(雪)의 형태로 보여지기 때문에 너무 난해하거나 어려운 것이 아니라 명화의 차용에 바이러스를 침투한 것이 그림의 새로운 시도나 도전, 아니면 새로운 차원의 접근을 하였다는 느낌이 드네요.

뉴런이라 하는 신경원의 기본단위에서 보면 수상돌기와 연결된 신경의 흐름과 같아요. 신체내의 세포들이 하나하나 연결된 사회적 관계(네트워크)처럼요. 초기 작품에서 프로이트와 연결한다면 번식이나 증식이나 생명의 연결같은 에로스적인 생에 본능적 체험들이 느껴지고 후기 작품은 공격과 바이러스의 개념들은 프로이트에 의하면 본능적인 사회본능이 있고 공격적인 본능이 있는데 그로인해서 인간세상의 미래가 전쟁이든 갈등이든 사람은 태어나면서 종족을 보존하고자하는 에로스적인 욕망이 있다면 또 죽음에 대한 에너지, 타나토스라고 표현을 하거든요 욕망 증식과 파괴, 두 가지의 욕망이 공전 무한한 증식 속에서 죽음, 유한한 것에 대한 두려움이 나타납니다. 선생님 작품 경우는 초기가 에로스 적이라면 후기는 타나토스적인 죽음에 대해 내재되어있는 성향, 기존의 명화에 자유로부터의 도피, 지나친 자유는 불안함 이거든요.

이: 자연스러운 과정이라 받아들이고 있어요. 지금까지의 작업은 미확인생명들을 발견하고 증식되는 과정을 옆에서 조율하고 성장하는 과정을 보면서 어느 방향으로 성장을 할 것인지 열어둔 상태로 흘러 가는대로 놔두는 상태로 큰 나무줄기의 작업을 해오다가 곁가지로 명화이미지를 차용하는 작업이 하나 생긴 거였죠. 명화바이러스 시리즈는 이 전시로 마감하고 다시 큰 줄기의 성장을 찾아 가려합니다. 작업을 하다보면 언젠가 또 곁가지가 생길 수도 있겠죠. 어디서부터 이 작업이 시작되고 어떻게 이 과정을 왔는지 다시 거슬러 올라가 재점검하게 되더라고요. 좀 더 근원적인 것에서 시작을 했는데 다시 그 흐름으로 돌아가려고 합니다.

최: 회귀라는 것이, 처음 꿈꾸고 가려고 했던 것으로 돌아가려는 것이지요. 사람이라는 존재 자체가 무한이 자유로울 수도 없고 큰 틀에서 완전히 벗어나기가 쉽지 않은 것이죠. 그것이 회귀 본능일 수도 있고 어렸을 적 꿈으로 회귀 하는 것과 같이 결국은 초창기의 작품의 특성들이나 표현하고자했던 것들로 회귀할 수밖에 없는 거죠.

이: 그런 과정이 한 발짝 뒤에서 보면 하나의 큰 틀 속에 있지 않나 싶어서 그 자체도 받아드려야 되지 않나 생각이 들어요. 결국에는 자유의지로 틀에서 벗어나려 노력하지만 계속해서 또 다른 틀을 만나게 되는 것 같아요. 이러한 과정도 제가 작업을 할 수 있는 힘이 되지 않을까 생각을 해요.

최: 뭐가 나올지에 대한 걱정이나 불안이 없는 상태라 오히려 지금이 더 자유로울 수도 있고 마음을 비우고 로크가 ‘사람은 태어날 때 백지 상태로 태어난다’ 하는데 백지상태로 태어나서 거기에 무엇이 쓰여 지는지는 나름대로 살아가는 과정에서 쓰여 지는 것이고 어떻게 쓰여 지느냐는 달라지는 거죠. 그 백지의 상태로 돌아간다는 것은 태초의 상태로 돌아간다는 것이지요. 백지라는 것 자체가 근원적인 것이죠. 부정적으로는 리셋 신드롬이지만 그렇게 표현하기 보다는 태어나기전의 깨끗한 상태로 돌아가는 것을 말하는 것이죠.

이: 오히려 백지 상태가 더 편하고 자유로워지죠. 다른 얘기인진 모르겠지만, 바둑에는 수많은 정석이 있는데 이것을 다 익힌 다음 고수가 되기 위해서는 잊어 버려야 더 큰 고수가 될 수 있다고 하더라고요. 그런 것처럼 자기성찰과 함께 잊어야 하는 것은 잊어버리는 것이 좋지 않을까요?

최: 그게 기존에 가지고 있는 관습, 쉐마(도식, 스키마)의 틀을 가지고 있고 아무래도 정형화되고 거기서 벗어나기가 힘든데요, 백지상태라고 하는 것은 아주 자유로운 상태이기 때문에 그 경지에 이른 다는 것은 자유 의지의 궁극적인 발현이죠. ‘shure슈레’라는 ‘자유로운 영혼’ 이라고 하는데 이 단계는, 고수의 단계가 되는 것이죠. 아마 그 단계에 못가면 못 보는 것이죠. 예전에 병안에 있는 새를 어떻게 꺼내야 되느냐? 불교에서의 물음이 있는데 스님에게 그 질문을 했더니 스님께서는 ‘그걸 말씀을 드린다 한들 이해를 하시겠습니까?’ 하셨어요. 유치원생에게 고등학생 미적분을 알려줘도 받아드리기 어려운 것처럼요. 그 단계가 되면 공자가 말했듯이 그 순간이 되면 자신이 행하는 모든 것이 법이기도 하고 진리이기도 하고 세상이 달리 보이겠죠? 지금은 그 과정을 거쳐서 새로운 세상을 보면 소재나 표현들이 전혀 다른 것이 나올 수도 있고 전혀 다른 그림을 시도할 수도 있고 그런데 그런 것을 준비를 안하고 계셔도 두렵지 않으신거고 얼마나 부럽고 대단하신건가요. 보통 내공가지고는 되는게 아니죠.

이: 많은 사람들이 이야기 중 진정성을 운운 하며 내공을 말하곤 하는데 그 내공의 정체는 뭐라 생각하세요?

최: 심리적으로는 자기세계의 도취감 몰입(flow로 요즘은 표현합니다. 절정감) 이라고 하는데 집중해서 주변의 아무것도 안보이고 시간가는 줄 모르고 그 상태를 지속시키는 상태가 ‘flow’의 상태하는 것이죠. 성인이면서도‘flow’한 상태를 만들면서 작업을 할 수 있는 정도가 내공의 단계가 아닐까 생각을 해요. 시간가는 줄 모르고 세속의 명성, 돈을 개의치 않고 창작과 표현할 수 있는 ‘flow’의 상태 그런 상태가 되면 그것에서 행복감을 느끼게 되는 것이죠. 성적인 것에서 느끼지 못하는 새로운 희열, 절정감을 느낄때를 말하는 것이죠. 결국 내공의 마지막단계는 복잡하거나 화려하지 않아도 심플하고 단순한 것이 아닐까요? 내공도 자기만의 단순하고 자유로운 단계가 아닐까 그림도 의미도 중요하지만 나중에는 그 의미에 때문에 표현에 구속을 받을 수도 있으니까요....

작품에서 두 가지가 경합하는 것으로 보여요. 굉장히 우주적이고 거대하고 그렇지만 표현하는 방식은 DNA세포의 움직임처럼 거시적인 것과 미시적인 것의 조화인 듯해요. 하나하나의 세포를 심듯이 구현하는 듯하고요. 물론 거대함에 대한 자유로움에 대한 것도 있지만 결국은 생물학적 근원에 대한 표현의 기본단위에 대한 관심이 있는 듯해요.

이: 작업을 하면서 생명의 근원적인 속성에 대해 관심이 많았어요.

최: 아주 작은 입자의 최소 단위들이 뭉치고 뭉쳐서 재료를 만들고 형상을 만들고 하는 입자론적인 관점인 반면 아주 근원적인 것에서는 에너지의 진동이 합쳐져서 최소단위를 만들고 그것이 어떤 형태로 가는듯한 표현들 ‘진동이냐 입자냐’는 것이죠. 선생님 작품의 연결들을 보면 최소단위의 입자적인 표현으로 보이지만 에너지 기의 표현이 된다면 뭔가 역동적일 수 있을 것 같아요. 세상의 기초적인 단위를 입자로 표현할 것이냐 아니면 진동으로 표현할 것이냐 두 가지인데 저는 진동적인 것을 선호하는 편이고 사물에도 생명이 있다는 것을 믿어요. 예를 들어, 일본학자가 쓴 ‘물은 답을 알고 있다’라는 책에 사진이 있는데 물도 사람의 감정을 받아들이더라는 거에요. 물에 대한 고마움을 느끼면 물의 사진이 이쁘게 나오고 물을 미워하면 사진이 안 찍혀요. 근원에 대한 물음에서는 영향을 미칠 수 있지 않을 까 합니다.

이: 제 그림에서는 규칙이 없이 여러 방향으로 가기 때문에 뭐라 규정할 수 없는 방향으로 분열하긴 하지만 작업자가 한 사람이기 때문에 제가 모르는 질서가 있지 않을까 생각도 들어요. 무질서이면서도 질서가 있고 그 사이를 지나면서 이들이 만들어지지 않았을까? 라고 생각해요.

최: 보이지 않게 분열이나 증식 사람들에게는 개체를 보존하려는 욕망, 종족 보존에 대한 욕망이 있잖아요, 아마도 미혼이시니깐 종족 보존에 대한 걱정과 불안이 증식에 대한 관점이나 관심으로 갔을 수도 있고 그러면서도 이성에 대한 상처나 두려움이 자아 분열(자기세포분열)이 나타났을 수도 있어요. 아무튼 자신의 아바타나 심리학에서는 더블(double) 이라는 용어로 표현을 해요. 그것이 나의 또 다른 자아인지 아니면 정말 이성이든 성적인 것에 대한 거부감이든지 자체적으로 분열해 나가는 것으로 나가는 것인지..

이: 자기 방어기제가 있기 때문에 발현되는 것이라는 건가요?

최: 한 자아 분열로 자기 방어를 통해서 자신이 다치기 싫은 것도 있을 수도 있고 또는 나르시시즘 분열도 있는 거 같아요. 그것이 자기의 또 다른 표현 일 수도 있다고 생각을 해요. 자기 자신을 사랑하는 방법, 예술가가 되려면 나르시시즘이 있어야 하죠. 그런 표현일지도 않을까 생각합니다. 나르시시즘이 컴플레스나 사회생활에서도 중요한 것이고 사실 나르시시즘을 잘 자극하는 사람이 사회생활을 잘하는데 상대방의 나르시시즘을 잘 자극해 줘야 사회생활을 잘 하는 것이죠. 그런데 자기의 나르시시즘을 자극하는 것은 자아도치이기 때문에 그걸 누군가 알아주지 않으면 외로운 것이거든요. 알아주는 방법이 여러 가지로 표현 될 수 있죠.

이: 자기방어적인 기제를 발견할 때가 있었는데 저에게 트라우마 같이 상처가 될 만한 기억들은 저도 모르게 지우는 지우개가 있는 듯해요. 그것이 나 자신을 방어하기위한 의도적인 기억상실증인 것처럼 여겨지기도 하고요.

최: 자기방어기제에는 여러 가지가 있는데.... (중략)

이승현-축약본.hwp

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cryptolee — Mon, 29 Nov 2010 12:35:34 +0900

Untitled_color pencil on paper_ 각각 29.5x21cm_2010

특별한 이야기 (시안미술관)

cryptolee — Thu, 25 Nov 2010 17:33:22 +0900

“국립현대미술관 고양창작스튜디오 작가의 <특별한 이야기>전 시안미술관에서 개최”

국립현대미술관(관장 배순훈)에서 운영하는 고양창작스튜디오와 시안미술관이 공동으로 진행하는 <특별한 이야기> 전이 오는 2010년 11월 27일부터 2011년 2월 23일까지 약 3개월간 시안미술관에서 개최된다. 본 전시는 ‘작품의 특별한 이야기’를 주제로 대중에게 좀 더 쉬운 이야기 방식을 통해 예술작품을 소개하는 전시이다.
국립현대미술관의 지원으로 길게는 1년 짧게는 6개월간 창작지원을 받고 예술 활동을 해온 16명의 고양창작스튜디오의 입주작가들이 지방의 문화소외지역에 문화적 혜택을 향유할 수 있도록 예술의 대중화에 앞장섰다. 참여작가들은 작품을 쉽게 이해할 수 있도록 이야기 형식을 빌어 작가와 작품, 그리고 관객이 소통할 수 있는 연결 고리를 만들어 다양한 현대미술의 세계를 소개한다.
‘이야기’ 는 문화콘텐츠, 마케팅, 관광산업 등의 분야에서 다양한 형태와 방식의 기술로 나타나 대중의 주목을 이끌어내고 있다. 이야기하기의 전달방식은 가장 보편적이고 일반적이면서도 가장 자유롭게 그 특성과 개성을 표현할 수 있는 의사소통의 도구이다. 작가들은 시･공간을 탈피한 자유로운 연상작용을 통해 순수예술을 마치 동화, 수필, 소설을 들려주듯 이야기한다. 또한 관객은 이를 통해 자신의 경험과 상상력을 동원하여 작품에 얽힌 특정 이야기에 쉽게 다가갈 것이다.
2004년 4월 개관한 경북 영천의 시안미술관은 열린미술관으로써 ‘소통’이라는 슬로건 아래 그 지역의 문화, 예술의 중심에서 그 역할을 다하도록 힘쓰고 있다. 이번 전시에서도 관람객들을 위해 전시기간 내에 주중에는 무료관람을 시행하여 미술관의 문턱을 낮추어 시안미술관은 시민들이 문화예술에 조금 더 편안하게 다가갈 수 있도록 지역 문화네트워크의 선두에서 경북도민의 문화 수준을 한층 높이고 있다.

서문 <특별한 이야기> 전
1931년 코카콜라가 붉은 색 산타복장을 한 뚱뚱한 산타클로스의 이미지를 만들어낸 후 풍성한 흰 수염에 얼굴 가득 홍조를 띤 인자한 할아버지의 모습은 성탄절의 대명사가 되었다. 이때 산타는 어린이들에게 선물을 나눠준 뒤 휴식을 위해 코카콜라를 마셨고, 착한 어린이들은 산타가 선물을 넣어주는 양말 속에 감사한 마음으로 코카콜라를 담아두었다는 것이 코카콜라가 창조한 산타클로스의 탄생이야기다. 이는 성탄절 장식물의 색감, 부모가 몰래 준비하는 선물문화, 굴뚝의 상징성 등 국경, 인종을 초월하여 겨울풍경을 변화시켰다.
미래학자 롤프 옌센이 “앞으로 세상을 움직이는 것은 ‘감성’이다”라고 한 예측이 현실이 된 지금, 부여된 가치가 본연의 것을 더욱 돋보이게 해주는 사회가 되었다. 전달성과 기능 면에서 탁월한 감성표현의 도구인 ‘이야기’가 주목받는 이유라 할 수 있겠다. ‘이야기’는 본질을 더욱 가치 있게 만들고, 그 의미를 풍성하게 만드는 위력을 지녔다. 이야기가 담긴 음료를 마시고, 신발을 신고, 커피와 와인을 즐기는 것이 평범한 생활이 되었다. 소비뿐 아니라 문화콘텐츠, 마케팅, 관광산업에 이르기까지 보편적 개념으로 확대된 ‘이야기하기’를...... 우리도 해볼까 한다.
본 전시<특별한 이야기>는 감성과 창의력이 중시되는 시대에 예술작품에 깃든 풍부한 이야기들의 발굴 및 재구성을 통해 작가와 작품을 호소력 있게 전달하고 그 가치를 재발견 하는 프로젝트로 구성되었다. 이는 작품에 얽힌 줄거리, 캐릭터 그리고 개인 또는 관찰자 등 다양한 관점의 변화를 통해 전시 주제인 ‘작품의 특별한 이야기’로 초점이 모아진다. 작품에 내재된 사건, 인물, 배경 등의 정보는 관객의 이해를 도와 사고의 폭을 넓힐 수 있는 계기를 마련하고 궁극적으로 작품이 전달하고자하는 의미를 더욱 뚜렷하게 한다.
참여 작가들은 장르와 형식보다는 작품의 본질을 구현하는 과정에서 이야기 소재를 개입시켜, “물이 나오는 곳은 수도꼭지가 아닌, 벽 속 나아가 수도관이다”라는 것에 무게를 두고 이야기를 풀어갔다. 그리하여 이를 엮어서 전달하는 또 다른 창조적인 활동이 수반되었다. 이를 통해 작가의 작품은 소통을 목적으로 기본 창작의도를 포함한 ‘이야기 재구성’이라는 공통분모를 갖게 되었다. 또한 작가의식이 중요한 순수예술과 쉽고 대중적인 이야기를 추구하는 문화콘텐츠의 속성을 병합하여 일상의 보편적 소재들을 가공, 마치 동화를 들려주는 듯 대중들에게 친근하게 다가설 수 있는 노력을 더하였다. 작가와 작품, 관람객 모두가 서로 이야기하는 장이 될 본 전시는 그 자체로 또 하나의 ‘이야기’다.

특별한 이야기 (시안미술관)

cryptolee — Mon, 22 Nov 2010 23:20:34 +0900

특별한 이야기 展

기획 | 국립현대미술관 고양창작스튜디오, 시안미술관 공동기획
전시일정 | 2010. 11. 27(금) - 2011. 2. 23(수)
오프닝 | 2010. 11. 27(금) 16:00
전시장소 | 시안미술관
참여작가 | 고등어, 김홍식, 마리 르루슈(Marie Lelouche_프랑스), 박기진, 박대성, 박현두, 신정필, 아사요 야마모토(Asayo Yamamoto_일본),
안경수, 양정화, 오정선, 이승현, 이재훈, 임승천, 허수빈

http://www.cryptolee.com/exh_group/5763
www.cyanmuseum.org

Intro (고양스튜디오)

cryptolee — Fri, 23 Apr 2010 03:51:48 +0900

Open Studio 6 (고양스튜디오)

cryptolee — Wed, 03 Nov 2010 16:35:27 +0900

Open Studio 6

2010 국립현대미술관 고양창작스튜디오 6기 입주작가
2010_1105 ▶ 2010_1107

: 주영신_오마슨 칼(Omarsson Karl)_박현두

초대일시_2010_1105_금요일_05:00pm

참여작가 고등어(김다정)_김현수_김홍식_마리 르루슈(Marie Lelouche_프랑스)_박기진_박대성_박현두_박혜수 배희경_스콧 플라나간(Scott Flanagan, 뉴질랜드)_신정필_아사요 야마모토(Asayo Yamamoto, 일본) 안경수_양정화_오정선_이승현_이재훈_임승천_주영신_지요상_칼 오마슨(Karl Omarsson, 아이슬란드) 페드로 라고아(Pedro Lagoa, 포르투갈)_허수빈

오픈스튜디오 학교 연계프로그램_2010_1105 ▶ 2010_1107
신청마감 / 2010_1102_화요일_06:00pm

관람시간 / 11월5일(금)_12:30pm~09:00pm / 11월6일(토),7일(일)_12:30pm~06:00pm

고양미술창작스튜디오 전시실, 22개 스튜디오
경기도 고양시 덕양구 관산동 656번지
Tel. +82.31.962.0070

국립현대미술관(관장 배순훈)에서 운영하고 있는 고양창작스튜디오(이하 '고양스튜디오')에서는 1년의 입주 기간 동안의 창작 활동과정과 성과를 공식적으로 선보이는 연례행사인 '오픈스튜디오 6'를 오는 11월 5일부터 7일까지 3일간 개최한다. 『오픈스튜디오 6』는 고양스튜디오에서 연중 가장 큰 행사로 입주 작가들은 단 3일간의 전시를 위해 개인전 못지않게 많은 시간과 노력을 쏟는다. 지난 12개월 동안 그들이 흘린 땀방울의 결과를 선보이는 이 자리는 미술평론가, 큐레이터, 기자 등의 미술계 전문가뿐만 아니라, 학생, 일반관람객을 위한 다채로운 행사와 볼거리를 제공한다. 창작스튜디오는 작업의 결과만 보여주는 미술관이나 갤러리와는 확연히 구분되는 곳으로, 작가가 작품을 제작하게 된 이유는 무엇이고, 어떤 다양한 재료와 도구가 사용되었는지 직접 눈으로 확인 할 수 있다. 특히 오픈스튜디오 기간에는 작가를 직접 만나 대화하는 「학교연계프로그램」과 「릴레리 프레젠테이션」을 진행하여 작품에 관한 궁금증들을 풀고 상호 교감할 수 있는 자리를 만든다. 또한 전시실에 마련된 『홈&어웨이』 전시는 국제교환 입주프로그램에 참여한 독일, 뉴질랜드 등의 외국 및 한국작가 4인은 2~3개월 동안 서로 각기 다른 나라에서 서로가 이방인으로서 보고, 듣고, 경험한 것들을 바탕으로 문화교류 보고전시를 한다. 참여한 외국작가들은 향후 우리의 현대미술과 한국문화를 전 세계로 퍼트리는 문화적 가교 역할을 톡톡히 할 것으로 기대된다. 이 밖에도 재즈퍼포먼스, 바비큐 파티 등 다채로운 오픈 행사도 준비되어 있다. 작가와 작품, 그리고 그들의 열정이 고스란히 묻어난 현대미술의 실험실에서 살아있는 동시대 미술의 현장을 체험 하게 될 것으로 기대된다. ■

: 페드로 라고아(Pedro Lagoa)_고등어_김현수
: 김홍식_이재훈_허수빈_아사요 야마모토(Asayo Yamamoto)

□ 오픈스튜디오 학교 연계프로그램
이번 『오픈스튜디오』에서 서울, 경기도 소재의 미술대학과 예술고교생을 대상으로 '학교연계 프로그램'을 마련하고자 합니다. 본 스튜디오를 방문하는 학생들이 다양한 매체와 재료를 다루는 작가들의 작업현장을 직접 탐방하고, 작품에 대한 설명을 직접 들으며 유익한 대화와 토론으로 생생한 현대미술에 이해를 돕고자합니다. 관심 있는 예술고교 및 미술관련 전공 대학교의 많은 참여와 관심 부탁드립니다. ○ 일 시 : 2010년 11월 5일(금), 6일(토), 7일(일) ○ 대 상 : 서울, 경기 소재 미술대 학부생, 대학원생 ○ 신청방법 : 선착순 전화접수 (담당 : 고양스튜디오, 노운영 031-962-0070, 3890) ○ 신청기한 : 2010년 10월 28일(목) ~ 11월 2일(화) 09:00~18:00, * 공휴일 제외

: 임승천_신정필_배희경
: 박대성_오정선_스콧 플라나간(Scott Flanagan)_지요상

□ 국제교환입주프로그램展『홈&어웨이』
『국제교환입주프로그램』은 국내 입주작가들의 해외 진출 기반 마련 및 새로운 작업 동기 부여를 목적으로 국내 입주작가들을 대상으로 해외유수 레지던스 프로그램과의 스튜디오 교환입주를 지원․운영하고 있는 프로그램이다. 창작스튜디오의 2010 『국제교환입주프로그램』 참여작가 안경수와 Pedro Lagoa_포르투갈(독일Frankfrut am Main시 문화부 스튜디오) 참여작가 배희경과 Scott Flanagan_뉴질랜드(뉴질랜드 크라이스처치 스튜디오) 이상 4인의 국제교환입주전 『home&away』展을 오픈스튜디오 기간 동안 스튜디오 내 전시실에서 개최한다. 이들은 각각 지난 2010년 상반기 2~3개월간 독일, 뉴질랜드, 고양스튜디오에서 작업한 결과물들을 영상, 드로잉, 사진, 설치 등 다양한 매체와 방법을 통해 선보일 예정이다.

: 안경수_박혜수_마리 르루슈(Marie Lelouche)

□ 릴레이 프레전테이션
○ 일 시 : 행사기간 총 3회 매시 정각 진행( 14:00, 15:00, 16:00)
○ 대 상 : 프로그램에 참여하고자 하는 관람자
○ 참여방법 : 고양스튜디오 중앙로비 안내 데스크 문의
○ 내 용 : 관람자들이 작가를 직접만나 작품설명을 듣는 『릴레이 프레젠테이션』을 진행하여 작품에 관한 궁금증 등을 풀고 상호 교감할 수 있는 자리

: 이승현_양정화_박기진

□ 셔틀버스 시간표

□ 오시는 길 승용차 이용시
올림픽 대로, 강변북로 이용: 행주대교 북단 외곽순환도로(의정부방향 100번 도로진입) → 통일로IC를 나와 좌회전 후 직진 → 고양외국어고등학교(2.3km) → 고골입구(우회전) → 고양창작스튜디오 서울시내 통과: 구파발 → 1번 국도(파주/문산 방면) → 고양외국어고등학교(2.3km) → 고골입구(우회전) → 고양창작스튜디오

   대중교통 이용시
지하철(서울발): 3호선 구파발역 4번 출구 나와서 문산, 파주 방향버스 이용 버스편: 광역 909/9709/9710/9080 도시형 30/31/300/760/17/100 고골입구 하차

Open studio 6 (고양스튜디오)

cryptolee — Fri, 29 Oct 2010 22:34:33 +0900

2010 국립현대미술관 고양창작스튜디오 6기 입주작가 - Open Studio 6

studio #12

< YTN > 미술계의 태릉선수촌? 고양창작스튜디오

cryptolee — Mon, 18 Oct 2010 20:33:07 +0900

Attached Multimedia

YTN 10.18.2010
http://www.ytn.co.kr/_ln/0103_201010181846519910

Artist Prism - 월간 Space (최진이 기자) KOR/ENG

cryptolee — Sat, 25 Sep 2010 02:42:14 +0900

Artist Prism (최진이 기자)

이승현은 '미확인 생물체'를 다룬다. 대학 졸업을 앞두고 그간의 습관적인 맹목적 미술 행위에 대한 자기비판 및 자기성찰에서 집중하게 된 미술작업의 가장 기본요소인 '드로잉'이란 방법론은 그로 하여금 현재 작업하고 있는 우연적이고, 자율적이며, 자가증식적인 비형태적 이미지들을 발견하게 했다. 실재 존재하는 '미확인 동물학'에서 연구하는 미확인 생물체들처럼 이승현이 탐색하고 키우는 미확인 생물체들은 그의 손을 빌려 마치 실제로 생명력을 가진 생명체처럼 캔버스 안에서 자신의 형태를 확장 및 증식시킨다. 이들은 평소에는 사각 프레임 안에서 자율적인 형태로 모습을 유지하다가도, 어떤 때는 특정 공간/장소를 숙주로 해 장소-특정적인 작업으로 분하기도 하고, 혹은 명화 같은 특정 이미지를 자신의 또 다른 숙주로 삼고, 마치 바이러스같이 그 이미지에 스며들어 기존에 견고히 자리잡고 있는 고정화된 권력, 규율등의 건축적 질서를 와해시키기도 한다.

[출전] 월간 Space 9월호, 2010

Lee Seung-hyun works with 'unidentified creatures'. Upon graduation, the artist began to focus on the most fundamental element of art-drawing. For Lee, this was a means to criticize and scrutinize his own habitual artistic work. It led him to the discovery of the images that he is currently working on-coincidental and autonomous, self-propagating amorphous creatures. Just like the unidentified creatures studied in Cryptozoology, an actual field of research, Lee's unidentified creatures expand their forms and reproduce within his canvas like living creatures; normally, these creatures maintain their autonomous state within a rectangular frame, but sometimes they use specific spaces or places as host to assume the appearance of site-specific projects; at other times, they use specific images such as widely-known paintings as host, permeating them like viruses, thus dismantling the established architectural order of vested powers and regulations.
<Written by Choi jini>

COLUMN
건축과 건축사, 올바른 개념 정립과 가치 증진을 위하여 _ 최영집
시바 춤과 문명의 안무 _ 박이문

NEWS
INFORMATION 건축자재

PREVIEW

하파 레이캬비크 콘서트 홀 & 컨퍼런스 센터 _ 헤닝 라르센 아키텍츠, 배터라이드 아키텍츠
36 더 콜스 _ 플레처 크래인 아키텍츠

FOCUS
런던 도서관 _ 하워스 톰킨스
상 조르제 성 내 프라카 노바 유적 발굴지의 박물관화 _ 후앙 루이스 카힐료 다 그라사
아메리카 박물관 _ 안톤 가르시아-아브릴
사우스 번드 워터하우스 _ 네리 & 후 디자인 리서치 오피스
IWI 치과 _ 컨템퍼러리 아키텍처 프랙티스
페이스 투 페이스 _ 미너스트리 오브 디자인
콘라트 옵틱 _ 이폴리토 플라이츠 그룹

FEATURE 01 감성적 테크놀로지
에세이 | 벽 없는 공간 만들기 _ 유걸
배제대학교 아펜젤러기념관 _ 유걸
인천 트라이-볼 _ 유걸
아산정책연구원 _ 유걸
행정중심복합도시 국립도서관 제안 _ 유걸
대담 | 현실을 넘어설 문제 만들기 _ 유걸, 이주나

FEATURE 02 시자, 하나의 태도 두 가지 표정
미메시스 뮤지엄 _ 알바로 시자 + 카를로스 카스타네이라 + 김준성
아모레퍼시픽 기술연구원 _ 알바로 시자 + 카를로스 카스타네이라 + 김종규
대담 | 섬세한 감성에 흐르는 일관성을 만나다 _ 김종규, 김준성

ARTIST PRISM 이승현

ART EXHIBITION

기념비적인 여행 _ 조선령
2010 오늘의 작가. 정정주 전: 일루전 _ 고원석

ART TALK 양혜규

PROFILE

이승현 작가

플랫폼 아티스트 (인천아트플랫폼)

플랫폼 아티스트

인천아트플랫폼 2기 입주작가 결과보고展 2012_0119 ▶ 2012_0226 / 월요일,1월 22,23일 휴관

드로잉의 가상적 생식력, 공간의 증식 _ 강수미 (미학)

플랫폼 아티스트 (인천아트플랫폼)

Mythical Creatures (류화랑)

Mythical Creatures (류화랑)

안녕하세요 작가님^^

행위와 사라짐, 매혹적 경계에서 부유하다. _ 박석태 (미술비평)

인천양조주식회사 (스페이스빔)

Over The Stage (인천아트플랫폼)

Over The Stage (인천아트플랫폼)

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[시민과 작가가 만나다 · 12] 이승현 현대미술가-_ (경인일보)

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[상:像 상:想] 형상에 시선이 머물다 (갤러리 터치아트)

2011 인천상륙作展 (인천아트플랫폼)

[상:像 상:想] 형상에 시선이 머물다 (갤러리터치아트)

인천상륙作展 (인천아트플랫폼)

몰입- Finding flow (제주도립미술관)

몰입 - Finding Flow (제주도립미술관)

명함정리 하다가...

전문가와 만남- '이승현(미술작가) & 최창호(심리학자)'

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특별한 이야기 (시안미술관)

특별한 이야기 (시안미술관)

Intro (고양스튜디오)

Open Studio 6 (고양스튜디오)

Open Studio 6

2010 국립현대미술관 고양창작스튜디오 6기 입주작가 2010_1105 ▶ 2010_1107

Open studio 6 (고양스튜디오)

< YTN > 미술계의 태릉선수촌? 고양창작스튜디오

Artist Prism - 월간 Space (최진이 기자) KOR/ENG

인천아트플랫폼 2기 입주작가 결과보고展
2012_0119 ▶ 2012_0226 / 월요일,1월 22,23일 휴관

2010 국립현대미술관 고양창작스튜디오 6기 입주작가
2010_1105 ▶ 2010_1107